Other books that might interest you

• 

  Michelangelo

  Eugène Müntz

  • 0
  • 0
  • 0

  Michelangelo a devenit pictor pentru a putea exprima într-un material mai maleabil ceea ce simțea sufletul său titanesc, ceea ce imaginația sa de sculptor vedea, dar ceea ce sculptura îi refuza. Astfel, acest admirabil sculptor a devenit creatorul, la Vatican, al celui mai liric și epic decor văzut vreodată: Capela Sixtină. Profuzia invenției sale este răspândită pe această vastă suprafață de peste 900 de metri pătrați. Există 343 de figuri principale de o varietate prodigioasă de expresie, multe de dimensiuni colosale, la care se adaugă un număr mare de figuri secundare introduse pentru efect decorativ. Creatorul acestui vast proiect avea doar treizeci și patru de ani când și-a început lucrarea. Michelangelo ne obligă să ne extindem concepția despre frumos. Pentru greci, era vorba de perfecțiunea fizică; dar lui Michelangelo nu-i păsa prea mult de frumusețea fizică, cu excepția câtorva cazuri, cum ar fi pictura lui Adam de pe tavanul Sixtinei și sculpturile sale din Pietà. Deși stăpân pe anatomie și pe legile compoziției, a îndrăznit să le ignore pe amândouă, dacă era necesar pentru a-și exprima concepția: să exagereze mușchii figurilor sale și chiar să le pună în poziții pe care corpul uman nu și le putea asuma în mod natural. În ultima sa pictură, Judecata de Apoi de pe peretele din capătul Sistinei, și-a revărsat sufletul ca un torent. Michelangelo a fost primul care a făcut ca forma umană să exprime o varietate de emoții. În mâinile sale, emoția a devenit un instrument pe care a cântat, extrăgând teme și armonii de o varietate infinită. Figurile sale ne poartă imaginația mult dincolo de semnificația personală a numelor care le sunt atașate.

  Show book

• 

  Botticelli

  Victoria Charles

  • 0
  • 0
  • 0

  Botticelli este un pictor nu de fapte, ci de idei, iar tablourile sale nu sunt atât o reprezentare a unor obiecte, cât un model de forme. De asemenea, coloritul său nu este bogat și realist; acesta este subordonat formei și, adesea, este mai degrabă o nuanță decât o culoare reală. De fapt, el era interesat mai degrabă de posibilitățile abstracte ale artei sale decât de cele concrete. De exemplu, compozițiile sale, după cum tocmai s-a spus, sunt un model de forme; figurile sale nu ocupă de fapt locuri bine definite într-o zonă bine definită a spațiului; ele nu ne atrag prin sugestia lor de volum, ci ca forme de formă, sugerând mai degrabă un model plat de decor. În consecință, liniile care înconjoară figurile sunt alese cu intenția principală de a fi decorative.
      S-a spus că Botticelli, "deși a fost unul dintre cei mai răi anatomiști, a fost unul dintre cei mai mari desenatori ai Renașterii". Ca exemplu de anatomie falsă, putem remarca modul imposibil în care capul Madonnei este atașat de gât, iar în tablourile lui Botticelli pot fi găsite și alte exemple de articulații defectuoase și forme incorecte ale membrelor. Cu toate acestea, el este recunoscut ca fiind unul dintre cei mai mari desenatori: a dat "liniei" nu numai frumusețe intrinsecă, ci și semnificație. În limbaj matematic, el a rezolvat mișcarea figurii în factorii săi, în formele sale cele mai simple de expresie, și apoi a combinat aceste forme diferite într-un model care, prin liniile sale ritmice și armonioase, produce un efect asupra imaginației noastre, care corespunde sentimentelor de poezie gravă și tandră care îl umpleau pe artistul însuși.
      Această putere de a face ca fiecare linie să conteze atât prin semnificație, cât și prin frumusețe, îi distinge pe marii maeștri desenatori de marea majoritate a artiștilor care au folosit linia în principal ca un mijloc necesar pentru a reprezenta obiecte concrete.

  Show book

• 

  Arta Renaşterii

  Victoria Charles

  • 0
  • 0
  • 0

  Renaşterea a început la sfârşitul secolului XIV în Italia, iar la sfârşitul secolului XVI cuprinsese întreaga Europã. Descoperirea splendorilor Greciei şi Romei antice a marcat începutul unei renaşteri a artelor, renaştere ce a urmat prãbuşirii certitudinii dogmatice a Evului Mediu. O serie de artişti au început sã inoveze în picturã, sculpturã şi arhitecturã. Redând idealul şi realul, sacrul şi profanul, mişcarea a oferit un cadru de referinţã care a influenţat arta europeanã în urmãtoarele patru secole. Leonardo da Vinci, Michelangelo, Botticelli, Fra Angelico, Giorgione, Mantegna, Rafael, Albrecht Dürer şi Pieter Brueghel se numãrã printre artiştii care au adus contribuţii considerabile la arta Renaşterii.

  Show book

• 

  Paul Gauguin și opere de artă

  Jp. A. Calosse

  • 0
  • 0
  • 0

  Paul Gauguin a fost mai întâi marinar, apoi agent de bursă de succes la Paris. În 1874 a început să picteze la sfârșit de săptămână ca pictor de duminică. Nouă ani mai târziu, după o prăbușire a pieței bursiere, s-a simțit încrezător în capacitatea sa de a-și asigura traiul pentru familia sa prin pictură și și-a dat demisia și a luat pensula de pictor cu normă întreagă. Urmând exemplul lui Cézanne, Gauguin a pictat naturi statice încă de la începutul carierei sale artistice. El a deținut chiar și o natură moartă de Cézanne, care este prezentată în tabloul lui Gauguin Portretul lui Marie Lagadu. Anul 1891 a fost crucial pentru Gauguin. În acel an a părăsit Franța pentru Tahiti, unde a rămas până în 1893. Acest sejur în Tahiti i-a determinat viața și cariera viitoare, căci în 1895, după un sejur în Franța, s-a întors definitiv acolo. În Tahiti, Gauguin a descoperit arta primitivă, cu formele sale plate și culorile sale violente, aparținând unei naturi neîmblânzite. Cu o sinceritate absolută, el le-a transferat pe pânzele sale. Tablourile sale de atunci încolo reflectă acest stil: o simplificare radicală a desenului; culori strălucitoare, pure, luminoase; o compoziție de tip ornamental și o planeitate deliberată a planurilor. Gauguin a numit acest stil "simbolism sintetic".

  Show book

• 

  Antoni Gaudí și opere de artă

  Victoria Charles

  • 0
  • 0
  • 0

  Antoni Gaudi (1852-1926), arhitect și designer spaniol, a fost o figură importantă și influentă în istoria artei spaniole contemporane. Folosirea culorilor, aplicarea unei game de materiale și introducerea formelor organice în construcțiile sale au reprezentat o inovație în domeniul arhitecturii. În jurnalul său, Gaudi și-a exprimat liber propriile sentimente despre artă: "culorile folosite în arhitectură trebuie să fie intense, logice și fertile". Lucrările sale finalizate (Casa Batlló, 1905-1907 și Casa Milà, 1905-1910) și lucrările sale incomplete (restaurarea Mănăstirii Poblet și altarul de la Alella din Barcelona) ilustrează importanța acestei filosofii. 
  Proiectele sale de mobilier au fost concepute cu aceeași filozofie, așa cum se arată, de exemplu, în propriul său birou (1878) sau în lămpile din Plaza Real din Barcelona. Sagrada Familia (1882-1926) a fost un proiect monumental care, în cele din urmă, i-a acaparat viața (era încă incompletă în momentul morții sale).

  Show book

• 

  Michelangelo și opere de artă

  Eugène Müntz

  • 0
  • 0
  • 0

  Michelangelo, ca și Leonardo, a fost un om cu multe talente; sculptor, arhitect, pictor și poet, el a realizat apoteoza mișcării musculare, care pentru el era manifestarea fizică a pasiunii. Și-a modelat arta desenului, a îndoit-o, a răsucit-o și a întins-o până la limitele extreme ale posibilităților. Nu există peisaje în pictura lui Michelangelo. Toate emoțiile, toate pasiunile, toate gândurile umanității erau personificate în ochii lui în trupurile goale ale bărbaților și femeilor. Rareori își concepea formele umane în atitudini de imobilitate sau de repaus. Michelangelo a devenit pictor pentru a putea exprima într-un material mai maleabil ceea ce simțea sufletul său titanesc, ceea ce imaginația sa de sculptor vedea, dar ceea ce sculptura îi refuza. Astfel, acest admirabil sculptor a devenit creatorul, la Vatican, al celui mai liric și epic decor văzut vreodată: Capela Sixtină. Profuzia invenției sale este răspândită pe această vastă suprafață de peste 900 de metri pătrați. Există 343 de figuri principale de o varietate prodigioasă de expresie, multe de dimensiuni colosale, la care se adaugă un număr mare de figuri secundare introduse pentru efect decorativ. Creatorul acestui vast proiect avea doar treizeci și patru de ani când și-a început lucrarea. Michelangelo ne obligă să ne extindem concepția despre frumos. Pentru greci, era vorba de perfecțiunea fizică; dar lui Michelangelo nu-i păsa prea mult de frumusețea fizică, cu excepția câtorva cazuri, cum ar fi pictura lui Adam de pe tavanul Sixtinei și sculpturile sale din Pietà. Deși stăpân pe anatomie și pe legile compoziției, a îndrăznit să le ignore pe amândouă, dacă era necesar pentru a-și exprima concepția: să exagereze mușchii figurilor sale și chiar să le pună în poziții pe care corpul uman nu și le putea asuma în mod natural. În ultima sa pictură, Judecata de Apoi de pe peretele din capătul Sistinei, și-a revărsat sufletul ca un torent. Michelangelo a fost primul care a făcut ca forma umană să exprime o varietate de emoții. În mâinile sale, emoția a devenit un instrument pe care a cântat, extrăgând teme și armonii de o varietate infinită. Figurile sale ne poartă imaginația mult dincolo de semnificația personală a numelor care le sunt atașate.

  Show book