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  Russische Malerei

  Peter Leek

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  Russland hat während Jahrhunderten keine großen Maler
  hervorgebracht, weil es seine ganze kreative Energie auf eine
  systematische Darstellung der Ikonen, durch Rublow beispielsweise,
  konzentrierte. Mit der Thronbesteigung von Peter dem Großen hält
  die Aufklärung in diesem als rückständig verschrieenen Reich
  Einzug. Sankt Petersburg ersteht aus den Sümpfen, wie durch ein
  Wunder dank des Genies eines italienischen Architekten. Es sollte
  für mehr als ein Jahrhundert ein kulturelles Zentrum und eine
  Stätte der Begegnung sein. Der allmächtige Zar und später
  Katharina die Große ermöglichen einen regen Austausch zwischen
  den russischen und den europäischen Künstlern. Aus diesem
  Dialog entsteht eine Malerei, die sich von Italien und seinen
  Farben inspirieren läßt und gleichzeitig der russischen Seele treu
  bleibt.
  Doch erst im 19. Jahrhundert erblickt eine wirklich nationale
  Malerei, in der Gestalt der Wanderer und der Blauen Rose das
  Tageslicht. Es folgt die Zeit der Revolutionen, die die russische
  Avant-Garde und schließlich den Modernismus hervorbringt.
  In dem vorliegenden Buch geht der Autor der russischen Kultur
  nach, die für ihn ein Zusammenspiel von westlichen und östlichen
  Elementen ist. Diese beiden Einflüsse werden bei jedem Bild und
  jeder Zeichnung hervorgehoben. Dabei werden alle Stilrichtungen
  und Bewegungen berücksichtigt und dadurch die Vielfalt der
  russischen Malerei aufgezeigt. Künstler wie Borowikowski, Serow,
  Wrubel, Brüllow, Fedotow, Repin, Schischkin und Lewitan leisten
  so einen fundamentalen Beitrag zur Kunstgeschichte.
  Nach dem Fall des Kommunismus verleiht Peter Leek der
  Geschichte der russischen Malerei eine neue Perspektive.

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  Monet

  Nathalia Brodskaya

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  Als Impressionist zu gelten war für Monet eine Auszeichnung. Er war es aus tiefer Überzeugung und blieb es bis an das Ende seines langen Lebens. Er begnügte sich mit einem einzigen Genre, dem der Landschaftsmalerei. Hier aber brachte er es zu einer Vollkommenheit, an die keiner seiner Zeitgenossen heranreichte. Im Sommer jenes Jahres kam es zu gemeinsamen Malübungen mit Boudin (1824 bis 1898) am Meeresstrand. “Mit der Zeit gingen mir die Augen auf und ich begann, die Natur zu verstehen; zugleich lernte ich, sie zu lieben” – so erinnert sich Monet später an diese gemeinsamen Exerzitien. Er besucht nicht die Ecole des Beaux-Arts, sondern zieht die von Monsieur Suisse, einem ehemaligen Modell Davids, gegründete freie “Académie Suisse” vor. Hier war es möglich, für einen geringen Beitrag lebende Modelle zu malen und zu zeichnen. Die Farbskala der Bilder, die Monet 1871 und 1872 malte, ist nicht sehr breit; sie erinnert an die der Barbizon-Schule und an die Seestücke Boudins. Die Grundtöne sind braungelb und blaugrau. Im Jahr 1877 wurde die dritte Ausstellung der Impressionisten eröffnet, bei der Monet zum ersten Mal eine Bilderserie zeigte. Mit seinem Motiv, dem Bahnhof Saint-Lazare, setzte Monet nicht nur Manets Die Eisenbahn und seine eigenen Landschaftsbilder aus Argenteuil fort, er schloss sich darüber hinaus der bei den Künstlern wachsenden Tendenz an, sich von diesem Transportmittel faszinieren zu lassen. In seinem Wohnort Giverny wurden die Bilderserien Monets wichtigste Arbeitsmethode. In den 1890er Jahren entdeckte Monet London. Zwar begann er die Bilder allesamt in London, beendete viele von ihnen aber in Giverny. Für den Schriftsteller Octave Mirbeau (1848 bis 1917) war Monet ein Mensch, der Wunder vollbrachte: Mit Hilfe der Farben habe er auf der Leinwand das Sonnenlicht, etwas nahezu Unfassbares, nachgebildet und es um eine Unzahl prismatischer Facetten bereichert. Tatsächlich hat Monet das Potenzial der Farbe mit nahezu wissenschaftlicher Strenge bis zu seinen äußersten Konsequenzen getrieben; kein anderer Impressionist ist darin so weit gegangen wie er, und es ist wenig wahrscheinlich, dass man in dieser Richtung hätte noch weitergehen können.

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  Alfons Mucha

  Victoria Charles, Patrick Bade

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  Alfons Mucha ist der ungekrönte König der Jugendstil-Illustration. Für viele Menschen sind Muchas überirdisch schöne, von floralen Ornamentgeflechten umgegebene Frauen, die erste Assoziation mit der beliebten Kunstrichtung der Wende zum 20. Jahrhundert. Muchas Kunst, die sich über die Jahrzehnte immer wieder neuer Beliebtheit erfreuen durfte, ist vor allem seit den 1960er Jahren nicht mehr aus dem Sortiment von Plakat- und Reproduktionsanbietern wegzudenken. Das vorliegende Werk bemüht sich nicht nur darum, einen umfassenden Überblick über Muchas Schaffen zu geben, sondern auch, dem Mann hinter der Kunst gerecht zu werden: seinem Leben, seiner Entwicklung als Künstler und seinem leidenschaftlichen Patriotismus für sein Vaterland, der damaligen Tschechoslowakei.

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  Frequenzen des Aufstiegs (mit...

  Jonathan Goldman

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  »Danke, dass ihr euch für die Möglichkeiten öffnet, die der Änderung der Frequenzen innewohnen.« - Shamael, Engel des Klangs 
  »Habt ihr Probleme damit, die neue Energie in den Griff zu bekommen? Habt ihr den Eindruck, dass es irgendwo Blockaden gibt, die euch Beschwerden verursachen? Löst die blockierte Energie mit Hilfe von Klängen, Licht oder Kristallen. Das wird euch die Anpassung sehr erleichtern.« - Jonathan Goldman, Klangheiler
  
  Mit 54 Minuten Klangmeditation zum Herunterladen!
  
  Wie können wir Klänge nutzen, um unsere Schwingungsfrequenz zu verändern? Warum sollten wir das überhaupt tun? Ganz einfach: Durch bewusste Frequenzänderung machen wir uns selbst und anderen Menschen hohe Schwingungen des Lichts und der Liebe zugänglich. Um das erreichen zu können, erklärt der Autor das Engelchakra und die Klänge, die es aktivieren, offenbart die Geheimnisse des Kristallsingens und die Bedeutung von Mitgefühl für den Aufstieg. Ob Heilige Geometrie, Lichtsprache, Merkabas, Visualisierung oder Intention, stets spielen Atem, Harmonie und Farben eine Rolle auf dem Weg der Bewusstseinserweiterung und Heilung.
  
  Goldman schreibt: »Ich vertraue darauf, dass die Frequenzen des Aufstiegs und meine Musik euch auf eine neue Ebene der Schwingungsaktivität heben, die euch und unseren Planeten bei der Beschleunigung der Evolution – dem sogenannten Aufstieg – unterstützen.« Begleitet werden die Erklärungen von Shamael, dem Engel des Klangs, auch als Metatron bekannt.
  
  Jonathan Goldman ist ein international bekannter Musiker und Vortragsredner, eine Autorität als Klangheiler und offiziell eingesetzter Lehrer des tibetischen Obertongesangs. Seine Bücher, fast alle im Amra Verlag erschienen, sind Standardwerke der Energiemedizin. Er legte mehr als 40 CDs vor, viele davon preisgekrönt, und wurde für den Grammy Award nominiert.

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  Tiffany

  Charles De Kay

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  Louis Comfort Tiffany hat mit seiner Arbeit in vielfältigen künstlerischen Feldern ein beachtliches Erbe hinterlassen, dass bis heute überdauert hat. Als Vorreiter des Jugendstils in den USA trug er  maßgeblich dazu bei dass das Kunsthandwerk höheres Ansehen in der Welt der bildenden Künste fand. 
        Seine Leidenschaft galt jedoch ausnahmslos dem Glas und der Glasmalerei. Seine Erfahrung als Kunsthandwerker und seinen Feinsinn für das Zusammenspiel von Licht und Farbe kombinierend, kreierte er nicht nur einmalige, atemberaubende Kirchenfenster sondern revolutionierte auch die Welt der Gebrauchsgegenstände mit anmutigen Wandleuchten, feinteiligen Mosaiklampen und exotischen Schmuckstücken. „Tiffany“ lädt dazu ein,  Farbe und Licht aus der Perspektive des Künstlers ganz neu zu entdecken.

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  Landschaftsmalerei

  Émile Michel

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  Obwohl die Landschaftsmalerei lange Zeit als Untergenre angesehen wurde, ist sie doch über ihre Vorgänger – die religiöse
  und historische Malerei – hinausgewachsen und hat sich zu einem eigenen Genre entwickelt. Giorgione in Italien, die
  Brueghels der Flämischen Schule, Claude Lorrain und Poussain der Französischen Schule und Turner und Constable in
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  geprägt haben.
  Nachdem sie lange Zeit nur als Hintergrund oder als Zeichenübung gedient hatte, wurde die Natur als eigener
  Gegenstand betrachtet und als Veranschaulichung einer aufgeklärten und wissenschaftlichen Studie der Welt in die
  Kunstwerke integriert. Durch ständige Veränderungen inspirierte sie die wichtigsten Maler und erlaubte einigen, wie zum
  Beispiel Turner, die unerbittliche Suche nach bloßem Realismus in bildlicher Darstellung zu überwinden.
  Émile Michel zeigt uns in diesem Buch das außergewöhnliche Panorama der Kunst vom 15. Jahrhundert bis heute und
  wie diese Künstler die Welt in all ihrer Pracht darstellen.

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