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  ¿Es el arte un misterio o un...

  Claudio Iglesias, Inés Katzenstein

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  ¿Cuál es la relación entre arte y trabajo? ¿De qué viven los artistas? ¿Hasta qué punto están en tensión el mundo de la experimentación y la búsqueda estéticas y el mundo profesional, donde hay circuitos establecidos y reglas que seguir? En un contexto de creciente ordenamiento y reglamentación de las relaciones entre artistas, curadores, críticos, museos, compradores y vendedores, el debate sobre profesionalismo-amateurismo se ha vuelto cada vez más relevante. Y este libro se ocupa de trazar y pensar las coordenadas básicas del dilema.
  ¿Es el arte un misterio (algo en definitiva indescifrable, imposible de reducir a un sentido o una finalidad) o un ministerio (una práctica social susceptible de ser organizada y mejorada)? En torno a esta pregunta reflexionan los más destacados intelectuales y especialistas ligados a la escena artística contemporánea y provenientes de distintos contextos geográficos y disciplinas. Con registros variados –desde el relato de la experiencia personal hasta la especulación filosófica y teórica– y de una riqueza conceptual y expresiva que no rehúye la discusión, los autores analizan las búsquedas y los límites del arte en cuanto misterio, su relación con el Estado y con las nuevas formas del mercado. Se detienen en la trayectoria de artistas y curadores que proponen nuevos modelos de intervención y provocación política. E indagan en el vínculo del arte con la publicidad, los nuevos medios, las contraculturas y otras artes.
  Desde distintas perspectivas, ¿Es el arte un misterio o un ministerio? constituye un aporte fundamental en un momento decisivo y paradójico, en el que gana protagonismo la idea del arte como campo profesional, mientras que el lema de la creatividad se afirma en las industrias culturales y los negocios.

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  El cuerpo transfigurado en...

  Edgar Vite

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  ¿Cómo aprender de un saber o práctica transdisciplinar que está en constante experimentación y construcción, donde sus bordes se difuminan constantemente? Este libro aborda la hibridación de la danza y las artes visuales, a partir de un profundo análisis de la complejidad epistemológica y la transdisciplinariedad de los procesos creativos en el contexto contemporáneo. Estas preguntas e inquietudes llevan a Edgar Vite a defender una mirada transversal, intersticial y compleja de la creación artística, tanto en su producción y reflexión, como en los procesos pedagógicos y educativos que conlleva.
  
  El paradigma epistemológico, originado por esta hibridación, lleva al autor a plantear la necesidad de un giro educativo en las artes, basado en la interpretación de los artistas y los educadores, como mediadores, entre diversos agentes e instituciones, pero sobre todo como puentes de unión entre campos disciplinares, alentando intercambios y conexiones imaginativas. En definitiva, este libro es una obra lúcida que examina el rol de la interdisciplinariedad y la complejidad epistemológica en las artes, abriendo nuevas vertientes investigativas y nutriendo las discusiones sobre las posibilidades creativas de nuestro tiempo. - Mariana Méndez Gallardo

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  Poderosas - Imágenes que...

  Sandra Accatino, María Ana Risco

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  Este libro se ocupa de un conjunto de imágenes originadas en la sociedad civil, que hicieron visible la angustiosa situación de personas e identidades políticas perseguidas, reprimidas y silenciadas por la dictadura. Postula que dichas imágenes surgieron como respuesta al autoritarismo y suscitaron emociones, removieron conciencias, desplegaron significados, detonaron pensamiento crítico y se convirtieron en un testimonio visual de acontecimientos que los perpetradores habían intentado borrar o velar.

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  Cine e historia de Rusia - De...

  Josefina Sartora

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  "Josefina Sartora traza una línea de tiempo desde 1917 hasta 1991, aunque elige a dos cineastas, uno precedente (Evgeny Bauer) y otro posterior (Alekesey Balanov, cuya sección en sí es un incuestionable aporte crítico), para comprender el antes y el después de un acontecimiento que signó la historia del siglo XX. Es sabido que el cine soviético jamás fue concebido para el entretenimiento, tanto Lenin, Trotsky y Stalin reconocieron, sin compartir el mismo entendimiento, la potencia del cine en la construcción de imaginarios, de lo que se predica una dialéctica entre la creación estética y la demanda política, un singular anudamiento que no dejó de existir ni siquiera tras la muerte de Stalin, desde el llamado "deshielo" hasta la perestroika.
  La autora analiza las diferencias, señala los matices y revela la interacción entre el imperativo político y el poético, como se puede apreciar minuciosamente en su análisis de las películas silentes de Eisenstein en contraste con las que filmó durante el apogeo del estalinismo, ya en tiempos del sonoro. Para cada fecha clave hay películas que vibran con el calendario, para cada fase de la experiencia soviética desfilan también los autores ineludibles. Los pasajes dedicados a Kira Muratova y Larisa Shepitko resplandecen, no menos que aquellos centrados en cineastas varones consagrados, como Vertov, Dovzhenko, Tarkovsky y Paradjanov.
  Es imposible leer y no desear ir en búsqueda de las películas mencionadas para constatar lo que se aprende capítulo a capítulo" (Roger Koza).

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  Impresionismo en cine y pintura:...

  Jaime García Estrada, Orlando...

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  Desde sus orígenes, el cine condensa y compila atributos de la pintura y, de manera sorprendente, del impresionismo -primera vanguardia artística que influyó en otras artes, como la literatura, la música y la danza- y el postimpresionismo. Los autores dan cuenta de las diversas y profundas correlaciones entre cine y pintura, a la vez que siguen un desarrollo histórico; nos proponen juegos de espejos por medio de corrientes, expresiones y obras hasta nuestros días. Destacan el análisis de las teorías del color, la descomposición de la luz y del movimiento; los avances técnicos que permitieron a las y los artistas pintar en exteriores y el surgimiento de la invención de la fotografía, así como la revisión del que ha sido considerado el padre del arte moderno: Vincent van Gogh.

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  Requiem para el Jefe Final -...

  Edgar S. Fuentes

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  Réquiem para el jefe final es un recorrido a lo largo de 40 años de expresión musical en los videojuegos, el arte total que impera en el siglo XXI. El libro reúne a los más importantes departamentos, compositores, álbumes y materiales relacionados con las bandas sonoras que han marcado el sector, contenidos de aquellas obras que han deslumbrado por su apartado sonoro. Todo ello narrado mediante una visión académica que trata de analizar y extraer jugo a la disciplina, enfocado de manera amena y sencilla desde la musicología al tiempo que se le da un trato divulgativo a los creadores que se encuentran detrás.
  
  La música es un ingrediente fundamental de la experiencia de juego y a su vez convive fuera del plano audiovisual para el que nace. Su influjo se desata desde el prólogo hasta la apoteosis en la que —de manera habitual— el héroe se enfrenta al archienemigo acompañado de una pieza, un réquiem que hace de clímax antes de la composición de los créditos. Réquiem para el jefe final es en esencia un trozo de historia de la música contemporánea.

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