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  Canto a mí mismo

  Walt Whitman

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  Walt Whitman, padre de la poesía estadounidense moderna, es el poeta que puso la vida, la respiración, el cuerpo y el deseo en el centro de sus poemas desafiando las convenciones de su época. Rechazó la limitación de la métrica fija para dar rienda suelta a la sonoridad y para ampliar las posibilidades de la expresión poética con el verso libre: la forma ya no encorsetaría más el sentido, sino que este desbordaría todos los límites de la tradición.En Canto a mí mismo, el profeta del sí incondicional a la vida invita al hombre y la mujer común, a aquellos que trabajan con las manos y sienten en el pecho, a la heroicidad de la alegría, epopeya en la que, al final, todos los corazones laten al unísono. No se trata de un destino de superficial dicha y mera igualdad, sino que consiste en el gozo del esfuerzo, de la energía vital, del hacer de la vida misma un espacio donde quepamos todos.

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  Mi nombre es nosotros - Poemas

  Amanda Gorman

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  El primer poemario de Amanda Gorman, la voz que encarna la esperanza del cambio social: aclamado por la crítica y número uno en las listas de más vendidos de The New York Times, The Wall Street Journal y USA Today.  «Un himno inspirador para la generación que viene: un debut poético impresionante».Kirkus Reviews Edición bilingüe Con la lectura de su poema «La colina que ascendemos» en la ceremonia de investidura del presidente Biden, la joven Amanda Gorman ofreció a un mundo herido un nuevo lenguaje de esperanza. En Mi nombre es nosotros, la autora explora la memoria, el dolor y la identidad, y parte de la reciente experiencia colectiva de la pandemia para tratar de arrojar luz sobre el futuro. Sus versos nos hablan de marginalidad, crisis climática, justicia social, desigualdad y racismo, pero también del poder del cambio, que está al alcance de todos nosotros. Con su primer poemario, Gorman se revela como la voz fresca, vigorosa e inspiradora de la resistencia moral que inaugura una nueva era en la poesía y en la sociedad. La crítica ha dicho:«Un grito de auxilio, un campanazo para sacudirnos el sopor ante la violencia contra el diferente y ante la incomunicación entre seres aislados es el contenido que oculta este envoltorio: el nuevo libro de Amanda Gorman».Berna González Harbour, Babelia «Muy fresca, muy pop, en el sentido de que ayuda a mezclar dos mundos, el de la lírica y el del activismo. [...] Autoras como Amanda Gorman actúan en una esfera que va más allá de lo literario, y que se junta con la vida política, con el compromiso con causas sociales y con el mensaje social».Luna Miguel «Recoge el testigo de antecesoras como Maya Angelou o Chimamanda Ngozi Adichie».Carmen López, elDiario «A través de su poesía trata de hacer que sus preocupaciones sobre racismo, marginalidad, sostenibilidad y desigualdad resuenen en un público amplísimo y hace una llamada al compromiso».Antoinette Torres «Gorman arroja una luz brillante sobre el futuro».Claudia Saiz, Elle «Gracias, Amanda Gorman, por abrir la puerta de esta manera tan histórica».Elvira Sastre «Con una poesía tan intensa y elegante como su abrigo amarillo, Gorman [...] nos invita a avanzar todos juntos».Kevin Young, The New Yorker «Una sinfonía de esperanza y solidaridad. Un poemario poderoso».Kit Fan, The Guardian «Un debut sobrecogedor. [...] El compromiso y el espíritu activista de Gorman brillan en cada página».Publishers Weekly «Un poemario muy oportuno».Lucy Feldman, Time «Estos poemas destilan ira, confusión y tristeza, pero Gorman nos demuestra el honor que supone ser testigo de la historia y sobrevivir a ella. [...] Su lectura resulta muy reconfortante».Joshunda Sanders, The Oprah Daily «Precisamos un nuevo lenguaje de esperanza. Amanda Gorman lo está creando».Hillary Clinton «Esta poeta afroamericana [...] ha golpeado muchos hogares como un ciclón erigiéndose en una de las voces de la poesía más refrescante».El Confidencial «Encarna un futuro que suena con latido, un faro para los jóvenes achicados por la precariedad y la pandemia que acorta sus pasos».Joana Bonet, El País «Una estrella de la literatura y un símbolo de rebeldía».Luis Alemany, El Mundo

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  Muñequita rubia

  Patrick Modiano, Pierre Le-Tan

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  Un delicioso divertimento literario alrededor de una pieza teatral sobre el paso del tiempo y sus consecuencias.  
  Querido lector: este libro es el programa de mano del estreno en París de una pieza teatral titulada Muñequita rubia, de Pierre-Michel Wals. Contiene el texto de la obra, una nota introductoria de la directora del Teatro de las Artes, el listado de personajes y actores, algunos bocetos del vestuario y algunos anuncios publicitarios. 
  La obra pone en escena el reencuentro de cinco amigos que en su juventud montaron el grupo musical los Peter-Pans y tuvieron un primer éxito con una canción titulada «Muñequita rubia». Ahora, veinte años después de aquello, vuelven a verse las caras. La peculiaridad de la reunión es que tres de ellos siguen vivos, han envejecido y están a punto de cumplir los cuarenta, pero los otros dos, que fallecieron hace tiempo, se presentan como fantasmas veinteañeros anclados en el pasado. El cruce de unos y otros lleva a una reflexión melancólica, divertida y desencantada sobre la vida, los anhelos y el paso del tiempo, en un territorio entre el sueño y la realidad. 
  Querido lector: todo lo que contiene este libro que sostienes en las manos es un juego literario, un capricho elaborado por Patrick Modiano y su cómplice, el exquisito ilustrador Pierre Le-Tan. Todo es ficticio, empezando por el supuesto autor de la pieza. ¿Todo? Bueno, el libro incluye algunos guiños, porque entre los actores hay algunos que sí existieron, como la propia madre de Modiano, que en efecto fue actriz de teatro y cine. Forma parte del encanto de esta sofisticada pirueta que se presenta como un divertimento, pero que es mucho más que eso: un prodigioso ejercicio de malabarismo literario y visual que, bajo su aparente liviandad, explora temas como la corrosión del tiempo, el abandono de los ideales de juventud y la asunción del desencanto que conlleva madurar.

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  Napoleón en Chamartín

  Benito Pérez Galdós

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  "Napoleón en Chamartín" es el quinto de los Episodios Nacionales de Benito Pérez Galdós, y en él nos narra los acontecimientos desde la salida precipitada de José Bonaparte de Madrid, tras la batalla de Bailén, a su regreso, de la mano de su hermano Napoleón, en diciembre de 1808. 
  Mientras la narración sigue las aventuras de Gabriel de Araceli, Galdós nos sumerge en el agitado Madrid de la época, en el que vemos nacer el germen de las dos Españas cuyo enfrentamiento marcará los dos siguientes siglos. Además, el autor aborda cuestiones políticas y sociales fundamentales para la época y en su carrera literaria, como el papel de la Iglesia en la sociedad, y el impacto de las reformas que introduce el Rey José, muchas de ellas ya pretendidas por los ilustrados españoles. Así, en un relato sin maniqueismos, pero sí, quizá, con algo de esperpento, nos asomamos a un país que comienza a desgarrarse mientras asume, desde el orgullo por su pasado, el nuevo lugar que ocupa en el mundo, un mundo que cambia y en el que el antiguo régimen comienza a resquebrajarse. Acompaña a una pléyade de personajes inolvidables, a medio camino entre la historia y la ficción, en la gran aventura literaria de del siglo XIX en España. 
  "Napoleón en Chamartín" is the fifth of Benito Pérez Galdós' Episodios Nacionales. It narrates events from King Joseph Bonaparte's retreat from Madrid after the Battle of Bailén to his return with Napoleon in December 1808. Through Gabriel de Araceli's adventures, Galdós portrays a turbulent Madrid, revealing the roots of Spain's division that would shape the next two centuries. The novel explores crucial political and social issues, such as the Church's role and reforms introduced by King Joseph, while reflecting on Spain’s identity amid a crumbling ancien régime. Rich with historical and fictional characters, it offers a vivid glimpse into 19th-century Spain. 
  Portada/Cover art design: David Rubiales Suárez.

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  La cena de los generales

  José Luis Alonso de Santos

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  Abril de 1939, pocos días después del final de la guerra. Franco quiere ofrecer a sus generales una cena, en el Hotel Palace de Madrid. Pero el lujoso hotel está lejos de sus mejores días: bombardeado, como el resto de Madrid, se encuentra con que los camareros de derechas no tienen nada que servir, pues los cocineros (de izquierdas) se encuentran en la cárcel. Para que la cena salga adelante el teniente Medina seguirá la sugerencia del maitre del hotel, Genaro: liberar por un día a los cocineros.
  
  Esta es la premisa argumental de la que se vale Alonso de Santos para desarrollar una obra que transcurre en un único escenario, esa cocina que funciona como una expresión de las dos Españas. Así, el autor nos presenta una realidad tan trágica como cruda -la Guerra Civil y la dolorosa posguerra-, desde una perspectiva tragicómica que lleva al espectador de la sonrisa a la emoción. Y todo ello siempre con el transfondo de los valores humanos básicos: el trabajo bien hecho, la dignidad de cualquier persona o la ineludible necesidad de la reconciliación, entre otros... No es extraño, por tanto, el éxito alcanzado en los escenarios. Una obra llamada a convertirse en seguida en un clásico contemporáneo.

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  Los Preludios

  Cristián Cisterna

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  Si en Distimia, el primer poemario de Cristián Cisternas, la subjetividad se construye y (auto)destruye mediante la insistente vigilancia de un lenguaje en crisis y una representación fragmentada que transitan entre los restos de los límites (porosos pero violentados) entre lo orgánico y lo imaginario, en Los preludios, de esta formación inestable, de la exposición bizarra del autor y sus reflejos convulsos en toda otredad, se hace cargo la voz de Chopin –se trata de poemas en prosa, de garganta prestada-, el músico romántico, el genio acosado por sus fantasmas y sus fantasías que encarnan en un entorno siniestro, morboso, bizarro, repleto de las filtraciones y secreciones (físicas y espirituales) de una enfermedad (in)mortal. El relato de estos poemas se sitúa durante la "temporada en el infierno" del músico, las vacaciones antes de su muerte, que alucinado y delirante (re)vive aquí con la escritora francesa George Sand –la mujer, cualquier mujer: "la guillotina de carne"-, con los dos hijos de ella y con el piano en sus magníficas y monstruosas transformaciones, un dispositivo que da forma al numen del poeta, y que se asemeja, en estas páginas, al poder que adquieren el paracaídas/ parasubidas en Altazor, de Huidobro, y los libros, espejos y cuchillos en Borges, dos autores ejemplares de nuestra literatura que pueden iluminar, desde el trasfondo, el necesario carácter (trágico) de esta escritura. El autor transforma aquí el genio en la intensidad de lo patológico, otorgándole formas deslumbrantes a la euforia y al tedio, la belleza abismal de los románticos, la fugitiva de Baudelaire, núcleos obsesivos de la estética moderna. Resulta difícil encontrar hoy en nuestras latitudes un autor con tanto dominio del lujo imaginario y verbal, y, a la vez, de la (im)precisión poética de la escritura, al mismo tiempo tan convencido del lugar sacrificial del poeta
  JAVIER BELLO, Universidad de Chile.

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