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  Modelos de ordenamiento...

  Fabio Zambrano Pantoja

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  El poblamiento de Colombia, experiencia urbana que abarca cinco siglos, se distancia de los procesos llevados a cabo en América Latina en razón de que no compartimos con otros países como Brasil y Argentina, la tendencia hacia la macrocefalia urbana, es decir, la concentración poblacional y productiva en una gran ciudad.
  Al observar detenidamente el horizonte urbano colombiano encontramos que, si bien existe una unidad representada en el Estado, sus símbolos y sus ritos nacionales, es innegable la presencia de una variada red de ciudades habitadas por sociedades pluriétnicas.
  Este texto ofrece al lector una narración acerca de cómo en la organización de la red urbana colombiana, se han sucedido diferentes modelos o sistemas de ordenamiento territorial, al tiempo que las primacías urbanas han ido cambiando al verse determinadas por factores dinámicos como los ritmos de integración del país a los mercados mundiales e incluso las características particulares de la oferta ambiental en cada región, lo cual nos ha convertido en una potencia biodiversa a nivel mundial que a su vez ha sido causal de profundas fragmentaciones.
  Para tal fin se exponen cinco casos de la historia urbana nacional:  primacías urbanas que además de presentar rasgos particulares, parecen no ser tan obvias: Bogotá con su notable y prolongada preeminencia, al ser el centro administrativo, simbólico y demográfico del país. Pasto que, definida desde sus inicios como una ciudad primada, para el autor puede entenderse a partir de la conceptualización de puerto de montaña. Quibdó, centro minero de carácter tardío, que empezó a consolidarse tan solo a finales del siglo XVIII. Valledupar, única fundación que con funciones agrícolas recibe el titulo de ciudad en pleno siglo XVI. Y Medellín, exitosa en su proceso de modernización urbana.

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  Beethoven

  Donald Francis Tovey

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  Se han escrito muchos libros sobre la obra de Beethoven, pero por su concisión, claridad y agudeza, así como por su importancia en la historia de la musicología, este ensayo no tiene parangón. Lejos de tratarse de un simple análisis cronológico de la obra del compositor, Donald F. Tovey—pianista, compositor y musicólogo de gran prestigio—condensa de un modo brillante los rasgos distintivos de su música. Tras años dedicados al estudio de Beethoven, analiza con detalle algunas de sus composiciones, considera los aspectos constructivos y estéticos de las mismas y hace importantes observaciones sobre numerosas cuestiones que pocos se han atrevido a abordar. Un libro que fascinará no sólo a los admiradores de Beethoven, sino también a aquellos que se adentran por primera vez en el universo de uno de los compositores más innovadores de todos los tiempos.
  
  «El libro está lleno de iluminaciones geniales y de observaciones sorprendentes. Un estudio apasionado y detallado sobre la música de un compositor al que Tovey adoraba».
  Andrés Ibáñez, «ABC Cultural»
  
  «Donald Francis Tovey evita meterse en enredos sobre la vida privada o pública de Beethoven y se centra en su obra, que para él "es una interpretación magistral y esperanzadora de la vida", empezando por el ritmo, la melodía y la armonía, las tres dimensiones de la música».
  Toni Montesinos, «La Razón»
  
  «Tovey es considerando uno de los musicólogos más sagaces de su época. Beethoven es buena prueba de ello. Un libro excelente».
  Javier del Olivo, «Platea Magazine»
  
  «Con pinceladas ocasionalmente muy breves, el autor es capaz de señalar el aspecto esencial y definitorio de cada una de las obras de Beethoven. Estamos ante un libro cardinal, no ya para conocer a Tovey, sino, y sobre todo, para deleitarse y aprender con la incomparable riqueza beethoveniana. Ese Beethoven que Tovey describe con entusiasmo en la primera línea de su libro como un artista completo y, en el sentido preciso del término, uno de los artistas más completos que hayan existido jamás».
  José Luis Téllez, «Scherzo»
  
  «Una lectura gratificante para quien desee sumergirse en la obra beethoveniana».
  «La Vanguardia»
  
  «Un magnífico ensayo. Si, además, escuchamos las composiciones de Beethoven en paralelo a su lectura, nos convertiremos en atentos conocedores de los entresijos musicales».
  Darío Luque, «Anika entre libros»

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  Ejercicios Parramón Agua

  Paidotribo Equipo Parramón

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  Con EJERCICIOS PARRAMÓN se ofrece al público una colección abierta de títulos destinados a la práctica del dibujo y la pintura. Cada volumen se dedica a un tema (paisaje, bodegón, figura, etc.) o a una técnica (óleo, acuarela, pastel, etc.), y presenta un conjunto de ejercicios variados, desarrollados por diferentes profesores.
  La foto del modelo para pintar, una introducción a cada ejercicio, un cuadro de los distintos materiales que se necesitan para su desarrollo y una secuencia de fotografías comentadas de todo el proceso constituyen el esquema de cada motivo propuesto.
  Una introducción sobre el asunto objeto de cada título y unos consejos prácticos sobre la materia que se presenta van a ser, sin duda, una de las mayores ayudas para la persona que quiera dominar el arte y la técnica de la pintura.

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  101 Técnicas acuarela

  Paidotribo Equipo Parramón

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  La manera más eficaz de aprender a pintar y avanzar en la práctica de la acuarela es pintando acuarelas. Éste es un libro para aprender y avanzar en el arte de la acuarela y por ello propone al lector nada menos que 101 técnicas distintas ilustradas en otras tantas secuencias paso a paso. Las secuencias son relativamente cortas: ocupan una o dos páginas del libro a lo sumo. Es un espacio más que suficiente para dar cuenta, con claridad y sencillez, de todas las técnicas propias de la pintura a la acuarela. Cada ejemplo incorpora indicaciones acerca de los materiales utilizados y de su nivel de dificultad. De esta manera, tanto el principiante como el profesional encontrarán opciones acordes con sus posibilidades. Se trata, en suma, de una obra concebida para que el lector pueda comenzar a pintar de inmediato. Para que pinte a la acuarela, para que descubra y redescubra el placer de hacerlo una y otra vez, una y cien veces.

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  La autobiografía de una idea

  Louis H. Sullivan

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  La autobiografía de una idea es el relato profundamente personal y filosófico de Louis H. Sullivan sobre cómo la visión creativa de un solo hombre contribuyó a dar forma a la arquitectura moderna. Más que una enumeración cronológica de proyectos, Sullivan escribe en un estilo reflexivo, casi meditativo, siguiendo el nacimiento y desarrollo de su "Idea" rectora. Rememora su infancia en Boston, sus primeros estudios de ingeniería y dibujo, y sus años de formación en el Instituto Tecnológico de Massachusetts y en la École des Beaux-Arts de París. Estas experiencias despertaron en él la convicción de que los edificios deben surgir de manera natural a partir de su función y su entorno, como organismos vivos.
  
  Sullivan narra su traslado a Chicago durante la intensa reconstrucción posterior al Gran Incendio, donde unió fuerzas con Dankmar Adler para crear innovadores rascacielos de estructura metálica. Sin embargo, el libro se centra menos en los aspectos técnicos y más en la lucha por defender la originalidad frente a la imitación y el formalismo académico. A través de ensayos y reflexiones personales, Sullivan expone su célebre principio de que «la forma sigue a la función» y advierte sobre los peligros de los estilos historicistas carentes de vida.
  
  En parte memorias y en parte manifiesto, la obra retrata una mente inquieta decidida a liberar la arquitectura estadounidense de la tradición europea y a crear un estilo honesto con su tiempo y su lugar. Sigue siendo un texto fundamental para quienes se interesan por la creatividad, el diseño y el espíritu que anima a la gran arquitectura.

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  La mujer enferma - Icono de la...

  Raquel Baixauli Romero

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  En la historia de la cultura occidental, la consideración de la enfermedad como tema de representación se hace evidente con la llegada de la modernidad. Es a finales del siglo XIX cuando las distintas situaciones que la centuria interpreta en torno a lo patológico desembocan en la visualidad, diferenciándose sus significados y tratamientos. En este trabajo nos aventuramos a desgranar cómo el ámbito de la representación hizo de la mujer enferma un icono de la modernidad. El punto de partida es la relación establecida entre el género y la enfermedad, para demostrar cómo a finales del siglo XIX la condición de lo patológico se asoció a la idea construida de lo femenino.

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