Sisley

Nathalia Brodskaya

Sinossi

Alfred Sisley (Paris, 1839 – Moret-Sur-Loing, 1899)
Alfred Sisley naquit à Paris le 30 octobre 1839 dans une famille anglaise. Ayant atteint ses dix-huit ans, ses parents l'envoyèrent en Angleterre. C'est alors, probablement, qu'il pressentit, devant la facture libre des paysages, à l'apparence d'esquisses, de Turner et Constable, sa vocation pour la peinture. Le destin amena Sisley, en octobre 1862, dans le même atelier libre de Charles Gleyre, où étaient venus étudier Claude Monet, Auguste Renoir et Frédéric Bazille. C'est Sisley qui avait incité ses amis à en finir avec l'apprentissage chez Gleyre et à partir peindre dans la nature. Il était indigné, beaucoup plus que ses amis, par l'attitude hautaine de Gleyre envers le paysage. Pour Sisley, le paysage fut, dès le début, non seulement un genre pictural essentiel, mais, en fait, le seul et unique auquel il travaillât toute sa vie. Après avoir quitté Gleyre, Sisley peignit souvent en compagnie de Monet, Renoir et Bazille dans les environs de Paris.
À partir de 1870, dans la peinture de Sisley commencèrent à apparaître les premières caractéristiques de la manière qui sera plus tard celle de la peinture impressionniste. À partir de ce moment, le coloris des tableaux de Sisley devient nettement plus clair. Cette nouvelle technique crée une impression de vibration de l'eau, de moirures colorées à sa surface et de transparence de l'atmosphère. Dans la peinture de Sisley, la lumière était née. Sisley peignit une quantité de paysages des bords de la Seine. Il découvrit Argenteuil et la petite ville de Villeneuve-la-Garenne, qui resta dans son oeuvre comme l'image du silence et de la tranquillité, d'un monde que la civilisation et l'industrie n'avaient pas encore défiguré.
Contrairement à Pissarro, il ne recherchait pas l'exactitude prosaïque. Ses paysages se colorent toujours de son attitude émotionnelle à leur égard. Comme chez Monet, les ponts chez Sisley se fondent dans le paysage d'une façon toute naturelle. Un ciel bleu serein se reflète sur la surface à peine frémissante du fleuve. Après la première exposition impressionniste, Sisley passa plusieurs mois en Angleterre. À son retour d'Angleterre, Sisley déménagea de Louveciennes à Marly-le-Roi. Vers cette époque, Sisley était véritablement devenu le peintre de l'eau. Elle l'ensorcelait, l'obligeait à scruter sa surface changeante et à étudier les nuances de sa couleur, comme le faisait Monet dans les prés de Giverny. Les paysages consacrés à l'inondation de Port-Marly sont une apothéose. Le peintre joue avec l'espace et la perspective, et finalement trouve la seule solution : la maison rose est figée dans un monde où le ciel se confond avec la terre, où le reflet frissonne à peine et les nuages glissent lentement. Sisley est le seul impressionniste dont les paysages ne se limitent pas à la beauté changeante de la nature, mais se prolongent dans le domaine tantôt du rêve, tantôt de la réflexion philosophique.

Disponibile da: 22/12/2011.

Lunghezza di stampa: 80 pagine.

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La peinture chinoise est une forme de peinture sur soie ou papier avec un pinceau trempé dans l'eau, l'encre et la couleur. Il forme son propre système dans le domaine de l'art mondial. Les outils et les matériaux comprennent le pinceau, l'encre, le pigment de peinture chinoise, le papier Xuan, la soie, etc. les thèmes peuvent être divisés en personnages, paysages, fleurs et oiseaux. Avec les fleurs et les oiseaux comme thème, ce livre comprend principalement des peintures célèbres de la pré-dynastie Qin à la dynastie Song.

La peinture chinoise a une forme d'expression artistique unique. En termes de contenu et de création artistique, il reflète la compréhension de l'artiste de la nature, de la société et de la politique, de la philosophie, de la religion, de la morale, de la littérature et de l'art.

La dynastie Song (960-1279) a été divisée en deux étapes: la dynastie des Song du Nord et la dynastie des Song du Sud. La peinture de la dynastie Song est entrée dans les rangs de l'industrie artisanale et du commerce et a établi une relation plus étroite avec plus de gens. Un groupe de peintres professionnels qualifiés ont vendu leurs œuvres comme produits de base sur le marché. Il existe déjà des magasins professionnels vendant des livres et des images. Le marché de la calligraphie et de la peinture a été prospère et développé. Les œuvres de calligraphie et de peinture de cette période ont également les caractéristiques de l'époque.

Avec les fleurs et les oiseaux comme thème, ce livre contient principalement les célèbres peintures de fleurs et d'oiseaux de la dynastie Song. Chacun d'eux est un chef-d'œuvre et se transmet de génération en génération. Cela vaut la peine de regarder et de collectionner.

Commentaires des lecteurs

J'aime beaucoup les peintures de la dynastie Song. Leurs peintures sont si belles. Chaque peinture et calligraphie de la dynastie des Song rassemblées dans ce livre mérite d'être regardée attentivement. J'aime beaucoup ce livre.
——David
Je suis très intéressé par la culture chinoise, en particulier la culture de la dynastie Song. Ce livre est très caractéristique. Il comprend les peintures de fleurs et d'oiseaux de la dynastie Song. C'est très professionnel et intéressant.
——Steven

Les peintures de ce livre sont si belles. Je n'ai jamais vu de telles peintures. Ils sont vraiment différents.

——Alexande
C'est difficile à imaginer. Je ne peux pas y croire. A-t-il vraiment été peint par des gens il y a des milliers d'années? Ce qu'ils ont peint était si beau.
——Lucas
J'aime beaucoup la culture chinoise. Ce livre est très utile pour moi pour comprendre la culture chinoise. Si vous êtes également intéressé par la culture chinoise, je vous suggère également de lire ce livre.

——Isabella
Le style de peinture de ce livre est différent de ce que j'ai lu auparavant. Je pense que c'est peut-être une peinture unique en Chine. Ce livre est vraiment une expérience unique pour moi.
——Madeline
Si vous êtes intéressé par la culture orientale, vous devez lire ce livre. La culture orientale ici ne se réfère pas seulement à la Chine. Je pense que le style de peinture de tout l'Orient a été influencé par la Chine. Grâce à ce livre, vous pouvez avoir une meilleure compréhension de toute la culture orientale.

——Liu Qingdong

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Dans ce dessin animé aux illustrations en couleur, la courageuse chaton Lucía arrête un voleur qui vole de l'argent au marché.
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Jean-Auguste-Dominique Ingres

Nathalia Brodskaya

Jean-Auguste-Dominique Ingres (Montauban, 1780 – Paris, 1867)
Ingres sembla d'abord destiné à reprendre le flambeau de son maître David, dans l'art à la fois du portrait et de la peinture historique. Il gagna le Prix de Rome en 1801, où il ne se rendit
que 6 ans plus tard à cause de la situation économique française. Mais Ingres s'émancipa très vite. Il n'avait que 25 ans lorsqu'il peignit les portraits de la famille Rivière. Ils révèlent un talent original et un goût pour la composition non dépourvu d'un certain maniérisme, mais celui-ci est plein de charme, et le raffinement des lignes ondulantes est aussi éloigné que possible du réalisme simple et légèrement brutal qui fait la force des portraits de David. Ses rivaux ne se laissèrent pas abuser : ils tournèrent en dérision son style archaïque et singulier en le surnommant «Le Gothique » ou «Le Chinois ». Cependant, durant le Salon de 1824 qui suivit son retour d'Italie, Ingres fut promu chef de file du style académique, par opposition au nouveau courant romantique mené par Delacroix. En 1834, il fut nommé directeur de l'Ecole française de Rome, où il demeura 7 ans. Puis, à peine rentré au pays, il fut à nouveau acclamé comme le maître des valeurs traditionnelles, et s'en alla finir ses jours dans sa ville natale du Sud de la France. La plus grande contradiction dans la carrière d'Ingres est son titre de
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Un cuistre, observant le dos de la Grande Odalisque et diverses exagérations de forme dans Le Bain turc, fit remarquer les indignes erreurs commises par le dessinateur. Mais ne sont-elles pas simplement le moyen par lequel un grand artiste, doté d'une sensibilité extrême, interprète sa passion pour le corps magnifique de la femme ? Lorsqu'il voulut réunir un grand nombre de personnages dans une oeuvre monumentale telle que L'Apothéose d'Homère, Ingres n'atteignit jamais l'aisance, la souplesse, la vie ni l'unité que nous admirons dans les magnifiques compositions de Delacroix. Il procède par accumulation et juxtaposition. Pourtant, il sait faire preuve d'une grande assurance, d'un goût original et d'une imagination fertile lorsqu'il s'agit de tableaux n'impliquant que deux ou trois personnages, et mieux encore dans ceux où il glorifie un corps féminin, debout ou allongé, qui fut l'enchantement et le doux tourment de toute sa vie.

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Egon Schiele

Jeanette Zwingenberger, Esther...

Egon Schiele
(Tulln, 1890 – Vienne,1918)
L’oeuvre d’Egon Schiele est tellement singulière qu’elle résiste à toute catégorisation. Admis à l’Académie des Beaux-Arts de Vienne dès l’âge de seize ans, ce fut un artiste extraordinairement précoce, dont le talent consommé pour le maniement de la ligne, plus que tout autre chose, conférait une tension expressive à toute son oeuvre. Profondément
convaincu de sa propre importance en tant qu’artiste, Schiele réalisa plus de choses dans sa jeunesse, brutalement abrégée, que beaucoup d’artistes dans toute leur existence. Ses racines puisaient dans le Jugendstil du mouvement de la Sécession Viennoise. Comme toute sa génération, il tomba sous l’influence écrasante de l’artiste le plus illustre et charismatique de Vienne, Gustav Klimt. A son tour, Klimt reconnut le remarquable talent de Schiele et encouragea le jeune artiste, qui au bout de deux ans, rompait déjà avec la sensualité décorative de son mentor. Amorçant une intense
période de créativité vers 1910, Schiele entama un intrépide exposé de la forme humaine – sans oublier la sienne – si pénétrant, qu’il est clair que l’examen auquel il se livrait était plus psychologique, spirituel et émotionnel, que physique. Il peignit plusieurs vues urbaines, paysages, portraits formels et sujets allégoriques, mais ce sont ses oeuvres sur papier, extrêmement candides, parfois ouvertement érotiques, et son penchant pour les modèles trop jeunes, qui rendirent Schiele vulnérable à la critique morale. En 1912, il fut soupçonné et emprisonné pour une série d’atteintes
aux moeurs incluant le kidnapping, le viol et la débauche publique. Les accusations les plus graves (toutes sauf celle de débauche publique) furent abandonnées, mais Schiele passa environ trois semaines désespérées en prison. En Allemagne, les cercles expressionnistes offrirent un accueil tiède au travail de Schiele. Son compatriote, Kokoschka, réussissait beaucoup mieux dans ce domaine. Tandis qu’il admirait les artistes munichois du Blaue Reiter, par exemple, ceux-ci le repoussaient. Plus tard, pendant la Première Guerre mondiale, son oeuvre se fit mieux connaître et, en 1916,
Schiele fut présenté dans un numéro de magazine expressionniste de gauche, basé à Berlin, Die Aktion, et on finit par l’apprécier. Il fut considéré très tôt comme un génie. Cela lui valut le soutien d’un petit groupe de collectionneurs et d’admirateurs très patients. Néanmoins, pendant plusieurs années, ses finances furent précaires. Il avait souvent des
dettes et était parfois forcé d’utiliser du matériel bon marché, de peindre sur du papier d’emballage marron ou du carton, au lieu du papier et des toiles réservés aux artistes. Ce n’est qu’en 1918, qu’il connut son premier succès public notable à Vienne. Tragiquement, quelque temps plus tard, il fut emporté avec sa femme, Edith, par l’épidémie massive de grippe de 1918, qui venait de tuer Klimt et des millions d’autres victimes, et ils moururent à quelques jours d’intervalle. Schiele n’avait que vingt-huit ans.

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Éloge de la fesse

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Éloge de la fesse célèbre la sensualité du corps de la femme. Le spécialiste Hans-Jürgen Döpp nous présente la fesse comme une représentation parfaite à la fois de l'érotisme et de la féminité, qui séduit des artistes reconnus de tous milieux. Les illustrations sensuelles de ce livre ne manqueront pas d'attirer un public large et varié.

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