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  La perspectiva en el dibujo

  Paidotribo Equipo Parramón

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  Este libro está pensado para aquellos que deseen iniciarse y progresar en el dibujo artístico, con un método pedagógico que invita a la práctica desde el primer momento:
  A través de la sección "Aprender haciendo" se incide en el aprendizaje del dibujo mediante la práctica inmediata. Así la práctica real del ejercicio es el vehículo que permite analizar las particularidades y las dificultades de las técnicas de proyección en perspectiva y la representación de la profundidad.
  Si se leen los ejercicios sin probarlos, pueden parecer a veces complejos y difíciles; pero si uno realmente hace los dibujos, se dará cuenta que son bastante más sencillos de lo que aparentan.
  No basta con practicar sino que también hay que aprender a ver. Éste es el objetivo de la sección "Análisis": observar cómo resuelven las dificultades y los efectos gráficos los artistas profesionales en sus dibujos, para aprender de los logros de los demás e incorporar algunas soluciones y efectos en la obra personal.
  Después de cada ejercicio es necesario analizar las dificultades y estudiar cada uno de los efectos de manera descontextualizada. "Cuaderno de notas" cumple este cometido: permite estudiar de manera concienzuda cada uno de los recursos lineales que se deriva de la perspectiva, aunque también otras soluciones de profundidad como, las intersecciones, el cambio de tamaño, la disminución de la intensidad del color con la distancia, etc., para que el lector integre y asimile ciertos conocimientos después de cada bloque de ejercicios.

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  Marcel Duchamp y los restos del...

  Horacio Zabala

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  De los maestros modernos, el más contemporáneo (o sea el menos moderno) es Marcel Duchamp. Una de sus creaciones más importantes es el ready-made, consecuencia extrema del collage. Si este significa la incorporación de un fragmento de la realidad en la obra de arte, el ready-made significa la incorporación de un objeto entero en un espacio destinado a la obra de arte.
   
  El presente ensayo indaga esta problemática y sus consecuencias en el reino del "todo vale por igual" del arte contemporáneo.
  En él, las obras se expanden y reinventan, se apretujan y mezclan en un remolino que transforma nuestra mirada.
   
  Y en este remolino flotan los restos irreducibles del ready-made: una cosa mental que sigue interpelándonos desde 1913 con tonalidades diferentes, una y otra vez.
   
  Un nuevo libro de nuestra colección Saber y comunicar, para entender y gozar de este artista tan particular.

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  Sitopía

  Carolyn Steel

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  Sitopia es la continuación de 'Ciudades Hambrientas'. Explora la idea desarrollada por primera vez en 'Ciudades Hambrientas' de que la comida da forma a nuestras vidas, y se pregunta qué podemos hacer con este conocimiento para llevarlas mejor. En esencia, es una filosofía práctica basada en la comida.
  
  
  
  La comida es el medio más poderoso del que disponemos para pensar de forma conectada en los numerosos dilemas a los que nos enfrentamos hoy en día. Durante incontables milenios, la comida ha dado forma a nuestros cuerpos, vidas, sociedades y mundo. Sus efectos están tan extendidos y son tan profundos que la mayoría de nosotros ni siquiera podemos verlos; sin embargo, nos resulta tan familiar como nuestro propio rostro. La comida es el gran conector, el bastón de la vida y su metáfora más fácil. Esta capacidad de abarcar mundos e ideas es lo que confiere a los alimentos un poder sin parangón. Se podría decir que la comida es la herramienta más poderosa para transformar nuestras vidas y el mundo que no sabíamos que teníamos.
  
  
  
  Mientras que 'Ciudades Hambrientas' explora cómo el viaje de la comida a través de la ciudad ha dado forma a las civilizaciones a lo largo del tiempo, 'Sitopia' comienza con un plato de comida y viaja hasta el universo. Su estructura consiste, pues, en una serie de escalas superpuestas, en las que la comida es siempre el centro. La comida anima nuestros cuerpos, hogares y sociedades, la ciudad y el campo, la naturaleza y el tiempo: siete escalas que forman los capítulos del libro. Explora los efectos de la comida a distintas escalas que interactúan de múltiples maneras interconectadas. Desde las normas culturales en las que nacemos hasta los gustos y preferencias personales que afectan a nuestra salud y placer individuales, pero también a la vitalidad de las economías locales, la geopolítica global y la ecología.
  
  
  
  La forma en que buscamos, hacemos y consumimos los alimentos ha definido la historia de la humanidad. Transforma nuestros cuerpos y hogares, nuestra política y nuestro comercio, nuestros paisajes y nuestro clima. Pero al olvidar nuestra herencia culinaria y depender de alimentos baratos y producidos de forma intensiva, hemos derivado hacia un modo de vida que amenaza a nuestro planeta y a nosotros mismos.
  
  
  
  ¿Y si hubiera una forma más sostenible de comer y vivir? Basándose en muchas disciplinas, así como en las historias de los agricultores, diseñadores y economistas que están rehaciendo nuestra relación con los alimentos, este libro inspirador y profundamente reflexivo nos ofrece una visión provocadora y estimulante para el cambio, y señala el camino hacia un futuro mejor.
  
  WINNER  Guild of Food Writers Food Book of the Year 2021.
  SHORTLISTED for the 2020 Wainwright Prize  for Writing on Global Conservation.

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  La arquitectura interior - Cómo...

  Emily Anthes

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  Aunque los humanos pasamos la mayor parte de nuestro tiempo en espacios interiores, estos siguen siendo en gran medida desconocidos por nosotros. ¿Cómo es la arquitectura y diseño de este universo interior? ¿Qué ecosistemas contiene y cómo nos integramos en ellos? ¿De qué manera estos paisajes interiores influyen en nuestros pensamientos y comportamientos, en nuestras relaciones sociales, salud y bienestar? Estas son las preguntas que han guiado a Emily Anthes en este libro. Basándose en una amplísima variedad de investigaciones pioneras en distintos campos científicos, se adentra en todo tipo de espacios interiores: el ecosistema microscópico de bacterias y hongos que habitan nuestras casas; hospitales y quirófanos diseñados para minimizar los errores médicos; escuelas concebidas para promover la actividad entre los niños; prisiones construidas para atender las necesidades psicológicas de los reclusos; oficinas cuyo diseño mejora el rendimiento y relaciones de los empleados; edificios inteligentes que monitorizan nuestra salud; casas flotantes anfibias que podrían ayudarnos a sobrevivir al cambio climático. Incluso aborda los domos que podríamos construir en Marte y la Luna. Descubre así cómo mediante una arquitectura y diseños cuidadosos y atentos podemos mejorar muchos aspectos de nuestra vida, ya que aunque somos el resultado de nuestro entorno, no tenemos por qué ser víctimas de él. 
  
  Emily Anthes es una periodista científica en The New York Times. Ha publicado, además, los libros Frankenstein’s Cat (2013) e Instant Egghead Guide: The Mind (2009).

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  Miradas convergentes en torno a...

  Jonathan Foote, Nacho Ruiz...

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  En su afán por conocer, la mirada del arquitecto se extiende sobre territorios que espera extraños. Es en estos territorios, concretos o abstractos, donde encuentra motivos para la inspiración, la reflexión o la interpelación sobre uno mismo. Uno de los territorios más recurrentes sobre los que se posa la mirada del arquitecto español se encuentra en las distantes regiones nórdicas del continente europeo. Sin embargo, lo que allí descubre no le resulta del todo ajeno. Existe cierto vínculo con el lugar, su cultura material y la dimensión humana que le son próximos, quizá porque apelan a cuestiones esenciales y compartidas.
  
  A modo de conversaciones, este libro reproduce la voz de destacados arquitectos españoles cuya mirada converge sobre los confines de la arquitectura nórdica. Ellos son Francisco Cifuentes Utrero, Ángela García de Paredes, Ignacio García Pedrosa, José Ignacio Linazasoro, Luis Martínez Santa-María, Jaume Mayol Amengual, Irene Pérez Piferrer y Xavier Ros Majó.

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  Sensopercepción una práctica...

  Raquel Guido

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  El occidente, con sus paradigmas hegemónicos centrados en el logos racional, sujeta y moldea nuestros cuerpos a su modelo único. Nos estructura en nuestra sensibilidad, en nuestros modos de expresarnos, en nuestra gestualidad, en nuestras formas, promoviendo un borramiento ritualizado del cuerpo que lo enmudece en nuestras vidas cotidianas, condenándonos a una perpetua ausencia. La propuesta de Sensopercepción, una práctica poética de la presencia apunta a desocultar ese Cuerpo silenciado, a darle lugar. Lo desafía a la emergencia de su singularidad y a su despliegue poético en un devenir de lo espontáneo, donde no participa el ordenamiento intelectual, racional, previo, sino que nos ubica en el aquí y ahora del acontecer en el instante.
  Como técnica de la Expresión Corporal, promueve la heterogeneidad de los cuerpos y las danzas o performances efímeras que surgen en el instante, en tiempo real. Promueve el habitar el cuerpo, para ubicarnos en el espesor corporal y desde ahí hacer, ser y sentir.
  Raquel Guido sostiene, desde esta perspectiva, que el Cuerpo no es instrumento de la Danza, la Performance u otras artes del Movimiento o prácticas que impliquen al cuerpo. Danzamos "en" el cuerpo, y no "con" él. Un Cuerpo entendido como construcción sociocultural, histórica, política, vincular y poética, que se construye en la experiencia según las condiciones de existencia. Un Cuerpo que va más allá de la anatomía y al que le restituimos su dimensión Imaginaria. Cuerpo poético, presente, singular...
  La Sensopercepción, así entendida, es tanto una técnica sensorial para la Danza y las Artes del cuerpo como un camino de autoconocimiento, un camino para la vida: el camino del cuerpo.

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