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  Edward Hopper exprime avec poésie la solitude de l’homme face à cet american way of life qui se développe dans les années 1920. S’inspirant du cinéma par les prises de vue ou les attitudes des personnages, ses peintures reflètent et dénoncent l’aliénation de la culture de masse. Avec ses toiles aux couleurs froides, peuplées de personnages anonymes, l’œuvre d’Hopper symbolise aussi le reflet de la Grande Dépression. A travers des reproductions variées (gravures, aquarelles, huiles sur toile), l’auteur, par une analyse tant artistique que thématique, nous apporte un éclairage nouveau sur l’univers énigmatique et torturé de ce peintre majeur.

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  concentrant le génie créatif sur la formalisation des icônes avec, par
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  et ses couleurs, et mêlée aux traditions de l’âme russe.
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  peinture nationale avec les Ambulants et les peintres de la Rose bleue.
  Puis viendra la période des révolutions, qui conduira à l’avant-garde
  russe et au modernisme. Tout au long de ce livre, l’auteur s’interroge sur
  la culture russe qui, selon lui, est la résultante d’éléments provenant aussi
  bien de l’Est que de l’Ouest. Ces deux influences sont ainsi mises en
  évidence dans les peintures et illustrations qui, couvrant tous les genres
  et tous les styles, prouvent alors une étonnante variété picturale. Des
  artistes comme Borovikovski, Serov, Vroubel, Brioullov, Fedotov,
  Répine, Chichkine et Lévitan, parmi tant d’autres, apportent ainsi leur
  fondamentale contribution à l’histoire de l’art universel. Après la chute
  du communisme, Peter Leek remet en perspective l’évolution
  constitutive de l’histoire de la peinture russe.

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  Si, selon l’expression connue, vous êtes ce que vous mangez, alors Giuseppe Arcimboldo (1527-1593) fut le peintre parfait de l’âme humaine. Cet artiste était un dessinateur de talent. Dans cet ouvrage fascinant, Liana de Girolami Cheney se penche sur la critique historique du travail d’Arcimboldo, à partir des débuts de son succès et de l’obscurité tragique qui entoure sa mort, jusqu’à la redécouverte de son travail, en particulier par les surréalistes des années 1920.

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  Rare femme de son époque à avoir intégré l’Académie royale de peinture, Élisabeth  Vigée-Lebrun  (1755-1842)  fut  une  portraitiste  très  appréciée  de  l’aristocratie.  Ses tableaux témoignent d’une période clé de l’Histoire : elle fut la peintre attitrée et l’amie de Marie-Antoinette avant la Révolution, et prit la fuite à travers l’Europe avant de revenir en France sous Napoléon, tout en continuant de peindre. Autodidacte, VigéeLebrun sut mettre ses modèles en valeur, maîtrisant les effets de matière à la perfection et usant d’un style délicat et raffiné.

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  À l’époque où l’expressionnisme abstrait, mode de peinture alors dominant, mettait l’accent sur l’expression dramatique à travers des coups de pinceaux audacieux et de larges compositions abstraites, les peintures du drapeau américain, des cibles, des nombres ou de l’alphabet réalisées par Jasper Johns apparurent comme une rupture radicale. Froids, silencieux et impassibles, ses sujets, soigneusement établis, étaient en effet bien loin des explosions émotionnelles alors en vogue. « Tout a commencé… avec mon tableau d’un drapeau américain. Mon choix de ce sujet fut stratégique, car je n’avais précisément pas à l’imaginer. C’est alors que je me suis focalisé sur ce genre de choses, comme les cibles par exemple, des choses familières. Cela m’a permis de concentrer ma réflexion sur d’autres niveaux. Par exemple, j’ai toujours pensé une peinture comme étant une surface, la peindre en une seule couleur rendait cela évident. Puis, j’ai décidé que regarder une peinture ne devait pas nécessiter une concentration spéciale comme, par exemple, assister à une messe. On devrait pouvoir regarder une peinture comme on regarde un radiateur. » Contrairement à la plupart des déclarations des artistes des années 1950,  on ne retrouvait pas dans le discours de Johns les doutes et l’angoisse habituels, et sa sélection de thèmes avait l’air délibéré, sans désirs, ni liens affectifs. Cependant, aux yeux des artistes plus jeunes, après les excès de l’expressionnisme abstrait, son art était plus honnête, plus lucide que froid et dénué de sentiments. En choisissant des sujets facilement reconnaissables, Johns semblait rejeter la peinture abstraite. Cependant, les sujets eux-mêmes possédaient une caractéristique vitale de l’abstraction classique, leur planéité, les rendant indiscernables de la surface de la toile. Ce livre souligne comment le travail de Jasper Johns rendit obsolète la polarité entre l’abstraction et la représentation qui domina les débats de l’art moderne pendant des dizaines d’années, et comment son Œuvre ouvrit de nouvelles perspectives sur les relations de l’art et du monde. Cette analyse tente aussi de comprendre pourquoi, depuis sa première exposition à la Galerie Léo Castelli, à vingt-sept ans, il reste un des artistes majeurs de la scène artistique contemporaine.

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