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  Amedeo Modigliani
  (Livourne, 1884 – Paris, 1920)
  Amedeo Modigliani naquit en Italie en 1884 et mourut à Paris à l’âge de trente-cinq ans. Très tôt il s’intéressa à l’étude du nu et à la notion classique de la beauté idéale.
  En 1900-1901 il visita Naples, Capri, Amalfi et Rome, puis Florence et Venise, et étudia tout d’abord des chefs-d’oeuvre de la Renaissance. Il fut impressionné par les artistes du Trecento (XIVe siècle), parmi lesquels Simone Martini (vers 1284-1344), dont les silhouettes longues et serpentines, représentées avec une grande délicatesse de composition et de couleur et imprégnées d’une tendre tristesse, annonçaient la
  sinuosité et la luminosité manifestes dans l’oeuvre de Sandro Botticelli (vers 1445-1510). Ces deux artistes influencèrent clairement Modigliani, qui utilisa la pose de la Vénus de Botticelli dans La Naissance de Vénus pour son Nu debout (Vénus) (1917) et sa Femme rousse en chemise (1918), ainsi qu’une inversion de cette pose dans son Nu assis au collier (1917). A la dette de Modigliani à l’art du passé (silhouettes des
  Cyclades de la Grèce antique principalement) fut ajoutée l’influence de l’art d’autres cultures (africaines par exemple) et du cubisme. Les cercles et courbes équilibrés, bien que voluptueux, y sont soigneusement tracés et non naturalistes. On les retrouve dans l’ondulation des lignes et la géométrie des nus de Modigliani, tels le Nu Allongé. Les dessins des Caryatides lui permirent d’explorer le potentiel ornemental de poses qu’il eut été incapable de traduire en sculpture. Pour ses séries de nus, Modigliani emprunta les compositions de nombreux nus célèbres du grand art, dont ceux de Giorgione (vers 1477-1510), Titien (vers 1488-1576), Ingres (1780-1867), et Velázquez (1599-1660), en faisant abstraction toutefois de leur romantisme et de la lourdeur du décor.
  Modigliani appréciait également l’oeuvre de Goya (1746-1828) et d’Edouard Manet (1832-1883), qui avaient fait scandale en peignant des femmes de la vie réelle nues, rompant ainsi les conventions artistiques voulant que les nus soient placés dans des cadres mythologiques, allégoriques ou historiques.

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  Michel-Ange

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  Michel-Ange (Michelangelo Buonarroti) (Caprese, 1475 – Rome, 1564)
  Michel-Ange, comme Léonard de Vinci, avait plusieurs cordes à son arc et était à la fois sculpteur, architecte, peintre et poète. Il porta à leur apothéose le mouvement musculaire et l'effort, équivalents plastiques de la passion, à ses yeux. Il façonna son dessin, le poussant jusqu'aux limites extrêmes des possibilités de son âme tourmentée. Il n'y a aucun paysage dans la peinture de Michel-Ange. Toutes les émotions, toutes les passions, toutes les pensées de l'humanité furent personnifiées dans les corps nus des hommes et des femmes. Il ne les conçut presque jamais dans l'immobilité ou le repos.
  Michel-Ange devint peintre pour exprimer à travers un matériau plus malléable ce qui animait sa nature titanesque, ce que son imagination de sculpteur voyait, mais que la sculpture lui refusait. Ainsi cet admirable sculpteur devint le  réateur des décorations les plus lyriques et les plus épiques jamais vues dans l'histoire de la peinture : les fresques de la chapelle Sixtine au Vatican. La profusion des inventions disséminées sur cette vaste surface est merveilleuse. Ce sont en tout 343 personnages principaux qui sont représentés avec une variété d'expressions prodigieuse, plusieurs de taille colossale, à côté de figures plus secondaires introduites pour leur effet décoratif. Le créateur de ce vaste plan n'avait que trente-quatre ans lorsqu'il s'attela au projet.
  Michel-Ange nous oblige à élargir notre conception du beau. Pour les Grecs, le critère était la beauté physique, mais Michel-Ange, sauf dans quelques exceptions, comme sa peinture d'Adam sur le plafond de la chapelle Sixtine, et ses sculptures de la Pietà, ne prêtait que peu d'attention à la beauté. Bien que maîtrisant parfaitement l'anatomie et les lois de la composition, il osait les ignorer toutes deux, si nécessaire, afin de suivre son idée : exagérer les muscles de ses personnages, et même les placer dans des positions inappropriées au corps humain. Dans son ultime fresque, celle du Jugement dernier sur le mur de l'autel de la chapelle, il laissa se déverser le torrent de son âme. Qu'étaient les règles en comparaison d'une souffrance intérieure qui devait s'épancher ? C'est à juste titre que les Italiens de son temps parlaient de la terribilità de son style. Michel-Ange fut le premier à donner à la forme humaine la possibilité d'exprimer toute une variété d'émotions psychiques. Dans ses mains, elle devint un instrument duquel il jouait, comme un musicien sur son orgue, en tirant des thèmes et des harmonies d'une diversité infinie. Ses personnages transportent notre imagination bien au-delà de la signification personnelle des noms qui leur sont attachés.

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  La peinture chinoise est une forme de peinture sur soie ou papier avec un pinceau trempé dans l'eau, l'encre et la couleur. Il forme son propre système dans le domaine de l'art mondial. Les outils et les matériaux comprennent le pinceau, l'encre, le pigment de peinture chinoise, le papier Xuan, la soie, etc. les thèmes peuvent être divisés en personnages, paysages, fleurs et oiseaux. Avec les fleurs et les oiseaux comme thème, ce livre comprend principalement des peintures célèbres de la pré-dynastie Qin à la dynastie Song.
  
  La peinture chinoise a une forme d'expression artistique unique. En termes de contenu et de création artistique, il reflète la compréhension de l'artiste de la nature, de la société et de la politique, de la philosophie, de la religion, de la morale, de la littérature et de l'art.
  
  La dynastie Song (960-1279) a été divisée en deux étapes: la dynastie des Song du Nord et la dynastie des Song du Sud. La peinture de la dynastie Song est entrée dans les rangs de l'industrie artisanale et du commerce et a établi une relation plus étroite avec plus de gens. Un groupe de peintres professionnels qualifiés ont vendu leurs œuvres comme produits de base sur le marché. Il existe déjà des magasins professionnels vendant des livres et des images. Le marché de la calligraphie et de la peinture a été prospère et développé. Les œuvres de calligraphie et de peinture de cette période ont également les caractéristiques de l'époque.
  
  Avec les fleurs et les oiseaux comme thème, ce livre contient principalement les célèbres peintures de fleurs et d'oiseaux de la dynastie Song. Chacun d'eux est un chef-d'œuvre et se transmet de génération en génération. Cela vaut la peine de regarder et de collectionner.
  
  
  Commentaires des lecteurs
  
  J'aime beaucoup les peintures de la dynastie Song. Leurs peintures sont si belles. Chaque peinture et calligraphie de la dynastie des Song rassemblées dans ce livre mérite d'être regardée attentivement. J'aime beaucoup ce livre.
  ——David
  Je suis très intéressé par la culture chinoise, en particulier la culture de la dynastie Song. Ce livre est très caractéristique. Il comprend les peintures de fleurs et d'oiseaux de la dynastie Song. C'est très professionnel et intéressant.
  ——Steven
  
  Les peintures de ce livre sont si belles. Je n'ai jamais vu de telles peintures. Ils sont vraiment différents.
  
  ——Alexande
  C'est difficile à imaginer. Je ne peux pas y croire. A-t-il vraiment été peint par des gens il y a des milliers d'années? Ce qu'ils ont peint était si beau.
  ——Lucas
  J'aime beaucoup la culture chinoise. Ce livre est très utile pour moi pour comprendre la culture chinoise. Si vous êtes également intéressé par la culture chinoise, je vous suggère également de lire ce livre.
  
  ——Isabella
  Le style de peinture de ce livre est différent de ce que j'ai lu auparavant. Je pense que c'est peut-être une peinture unique en Chine. Ce livre est vraiment une expérience unique pour moi.
  ——Madeline
  Si vous êtes intéressé par la culture orientale, vous devez lire ce livre. La culture orientale ici ne se réfère pas seulement à la Chine. Je pense que le style de peinture de tout l'Orient a été influencé par la Chine. Grâce à ce livre, vous pouvez avoir une meilleure compréhension de toute la culture orientale.
  
  ——Liu Qingdong

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  LE TARTUFFE ou l’Imposteur

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  Quel poison s’est insinué dans le foyer d’Orgon ? En laissant Tartuffe entrer dans sa maison, Orgon ne pouvait imaginer qu’il allait mettre en péril sa fortune, son honneur et l’unité de sa famille.
   
  Dans cette pièce hautement provocatrice, Molière démontre toute l’étendue de son talent pour fustiger, sous couvert du rire, les impostures d’un discours religieux drapé dans les oripeaux de la dévotion.
   
  Avec Le Tartuffe, Molière livre une satire grinçante de toutes les hypocrisies qui reste toujours actuelle, et le nom de Tartuffe est définitivement passé dans la langue comme synonyme d’hypocrite.
   
  Jean-Baptiste Poquelin, dit Molière (1622-1673), Dramaturge, acteur et directeur de troupe de théâtre. Fils d’un tapissier, il renonce à reprendre l’affaire familiale pour se tourne vers le théâtre. Et fonde en 1643 “l’Illustre Théâtre” en se fixant comme objectif de “faire rire les honnêtes gens”.
   
  Considéré comme le patron de la Comédie-Française, il en est toujours l’auteur le plus joué. Impitoyable envers le pédantisme des faux savants, les mensonges des médecins ignorants, la prétention des bourgeois enrichis et l’hypocrisie des faux dévots, Molière aime la jeunesse qu’il veut libérer de contraintes absurdes.
   
  Il affirme dans la préface de “Tartuffe”, que « le but de la comédie est de corriger les hommes, tout en les divertissant ».
   
  Le 17 février 1673, Molière meurt après la 4ème représentation du “Malade imaginaire”.

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