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  Andy Warhol (Pittsburgh, 1928 – New York, 1987) Andy Warhol est indubitablement l’artiste qui a mis en évidence le frémissement de la culture moderne, en inaugurant tout un éventail de techniques, principalement à travers l’isolation de l’image, sa répétition et une accentuation de sa ressemblance avec des images imprimées, et par l’emploi de couleurs criardes traduisant la violence visuelle si commune à la culture de masse. Andy Warhol jeta souvent une lumière directe ou indirecte sur le dégoût du monde, le nihilisme, le matérialisme, la manipulation politique, l’exploitation économique, la consommation ostentatoire, l’adoration des héros médiatiques et la fabrication artificielle de besoins et d’aspirations. En outre, ses meilleures peintures et sérigraphies prouvent qu’il était un brillant créateur d’images, doté d’un extraordinaire sens de la couleur et du génie du rythme visuel d’un tableau, issus de sa profonde compréhension du potentiel pictural inhérent aux formes. De prime abord, les images de Warhol peuvent sembler assez simples. Et pourtant, précisément à cause de cette simplicité, elles ont non seulement un impact visuel immédiat très fort, mais possèdent aussi le rare pouvoir de véhiculer un sens grâce aux associations mentales qu’elles déclenchent. Par exemple, la répétition que Warhol employa dans un grand nombre de ses tableaux était conçue pour imiter la colossale reproduction d’images utilisée dans la culture de masse pour vendre des biens et des services, y compris à travers des vecteurs de communication comme les films et les programmes TV. Et précisément, en intégrant dans ses images les techniques mêmes de la production de masse, Warhol reflétait directement les us et abus les plus importants de la culture en accentuant, jusqu’à l’absurdité, le détachement complet de toute implication émotionnelle qu’il constatait partout autour de lui. En outre, tout en faisant partie du mouvement du Pop Art qui utilisait une imagerie inspirée de la culture populaire pour offrir une critique de la société contemporaine, Warhol poussa plus loin les assauts contre l’art et les valeurs bourgeoises, inaugurés par les dadaïstes en leur temps. Enfin, c’est sa critique incisive de la culture et la vivacité avec laquelle il l’exerçait, qui assureront une pertinence durable à ses oeuvres, longtemps après que les objets spécifiques qu’il représenta (les boîtes de soupe Campbell) seront devenus obsolètes ou que les personnages éminents qu’il dépeignit (Elvis Presley) se seront simplement mués en superstars d’hier.

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  Henri Matisse (Le Cateau-Cambrésis, 1869 – Nice, 1954) «Le fauvisme, c’est quand il y a du rouge », avait dit un jour Henri Matisse, exprimant ainsi brièvement sa compréhension de ce courant. Durant tout le XXe siècle, les contemporains du peintre et les chercheurs se sont tellement appliqués à lui attribuer le titre de chef de file du mouvement, que très souvent son art se trouva transformé en modèle où l’on devait puiser le plus exactement possible les traits les plus caractéristiques du fauvisme. Cependant, Matisse lui-même non seulement n’a jamais prétendu à ce rôle de chef de groupe, mais ne put jamais répondre à la question de ce que le courant représentait en réalité. En 1891, Matisse entra à l’académie Julian, gagnant simultanément sa vie en donnant des leçons de droit. En 1892, il abandonna les cours d’Adolphe William Bouguereau à l’Académie pour s’inscrire aux Beaux-Arts dans l’atelier de Gustave Moreau. C’est aux Beaux-Arts qu’il fit la connaissance de Marquet et le persuada de suivre son exemple et de venir le rejoindre chez Moreau. Peu à peu, une communauté de peintres se forma, communauté qui surmonta toutes les épreuves de la vie. Y prenaient part tout d’abord les trois «M » : Matisse, Marquet et Manguin, puis Rouault, Camoin et Valtat ; et enfin Friesz, qui fréquentait l’atelier de Léon Bonnat (séparé de celui de Moreau par un couloir), auquel Dufy vint se joindre plus tard. A partir de 1901, Matisse et ses amis figurèrent comme exposants au Salon des Indépendants ainsi que chez Berthe Weill. En 1903, ils participèrent à la création du Salon d’automne. En 1905, un seul regard de Vauxcelles, que celui-ci jeta sur leurs oeuvres exposées au Salon d’automne, suffit pour qu’apparaisse le terme de «fauves ». Le scandale du Salon d’automne de 1905 rendit Matisse célèbre. En 1917-1918, il fréquenta beaucoup Renoir, installé sur la Côte d’Azur, qui resta toujours pour lui un maître incontestable. La peinture de Matisse datant des années 1897-1901 révèle déjà l’assimilation des traditions de ses prédécesseurs, depuis les impressionnistes jusqu’à Cézanne, c’est-à-dire de tout ce qui devait être appris et compris en dehors des murs de l’école. Cette assimilation a commencé soit peu avant la mort de Gustave Moreau, soit tout de suite après que Matisse ait abandonné son atelier. Après avoir visité les deux expositions d’art musulman organisées à Paris en 1903 et à Munich en 1910, il trouva de quoi s’y inspirer. La première de ces deux expositions ainsi que les voyages que Matisse effectua en Afrique du Nord, apportèrent dans sa peinture des objets orientaux concrets plutôt que des innovations picturales. Le caractère décoratif de ces objets contribuait à rendre l’espace de ses tableaux plus plat et laconique. Toute une vie sépare ces dernières oeuvres de la jeunesse «fauve » de Matisse. Mais malgré tout, elles restent fidèles au fauvisme qui marqua ainsi toute la création du peintre et que lui-même a si bien défini comme le «courage de retrouver la pureté des moyens. »

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  L’ambitieux projet d’Audubon de peindre tous les oiseaux d’Amérique du Nord résulta en un travail si important qu’il fut une des grandes étapes de l’ornithologie. Il n’identifia pas seulement des nouvelles espèces, mais il dépeignit aussi les oiseaux dans leur habitat naturel, ainsi que dans des poses dynamiques. Son impressionnante collection va du flamant rose à l’aigle à tête blanche, en passant par la conure de Caroline. Audubon décrit chaque espèce avec un texte concis, précisant les particularités de chaque oiseau.

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  Jackson Pollock
  (Cody, Wyoming, 1912 – New York, 1956) Pollock fut le représentant le plus important et le plus influent de l’expressionnisme abstrait. Il avait étudié auprès du régionaliste Thomas Hart Benton, et était également marié au peintre abstrait Lee Krasner (étudiante de Hans Hofmann). Il comptait parmi ses collègues Aschile Gorky, Willem de Kooning, Franz Kline, Robert Motherwell, et d’autres issus de l’école dite de New York. En 1947, il développa l’action painting ou, en termes moins précis, le dripping. Il s’intéressait à un processus de création et d’expression du moment, impliquant le moins de références possibles à la réalité visuelle. Abandonnant les pinceaux, le chevalet et la palette, il contrôlait lui-même les quantités de peinture qu’il faisait couler ou projetait sur une toile généralement très grande qu’il avait l’habitude d’étaler sur le sol. Bien que son obsession première fût l’expression de sa propre vie intérieure (subconscient) à travers son art, sa vie émotionnelle était sans conteste très instable, son approche du processus créatif et la plupart de ses oeuvres bouleversèrent de façon définitive l’évolution de l’art en Amérique.

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  Edward Hopper

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