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  Émile Michel

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  Célèbre aussi bien de son vivant qu’après sa mort, Rembrandt est un des plus grands maîtres de ce que l’on a appelé « l’âge d’or hollandais » au XVIIe siècle. Ses portraits ne constituent pas uniquement une plongée dans l’époque du peintre, ils représentent avant tout une aventure humaine ; sous chaque touche de peinture semble s’éveiller la personnalité du modèle. Ils ne sont aussi que la partie immergée de l’iceberg Rembrandt, qui a produit plus de 300 toiles, 350 gravures et 2000 dessins. Dans tout son OEuvre, l’influence du réalisme flamand est aussi puissante que celle du caravagisme italien. Ce savant mélange, il l’applique à tous ses tableaux, conférant aux sujets bibliques tout autant qu’aux thèmes quotidiens une puissance émotionnelle et intimiste sans pareil.

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  Michel-Ange

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  Michel-Ange (Michelangelo Buonarroti) (Caprese, 1475 – Rome, 1564)
  Michel-Ange, comme Léonard de Vinci, avait plusieurs cordes à son arc et était à la fois sculpteur, architecte, peintre et poète. Il porta à leur apothéose le mouvement musculaire et l'effort, équivalents plastiques de la passion, à ses yeux. Il façonna son dessin, le poussant jusqu'aux limites extrêmes des possibilités de son âme tourmentée. Il n'y a aucun paysage dans la peinture de Michel-Ange. Toutes les émotions, toutes les passions, toutes les pensées de l'humanité furent personnifiées dans les corps nus des hommes et des femmes. Il ne les conçut presque jamais dans l'immobilité ou le repos.
  Michel-Ange devint peintre pour exprimer à travers un matériau plus malléable ce qui animait sa nature titanesque, ce que son imagination de sculpteur voyait, mais que la sculpture lui refusait. Ainsi cet admirable sculpteur devint le  réateur des décorations les plus lyriques et les plus épiques jamais vues dans l'histoire de la peinture : les fresques de la chapelle Sixtine au Vatican. La profusion des inventions disséminées sur cette vaste surface est merveilleuse. Ce sont en tout 343 personnages principaux qui sont représentés avec une variété d'expressions prodigieuse, plusieurs de taille colossale, à côté de figures plus secondaires introduites pour leur effet décoratif. Le créateur de ce vaste plan n'avait que trente-quatre ans lorsqu'il s'attela au projet.
  Michel-Ange nous oblige à élargir notre conception du beau. Pour les Grecs, le critère était la beauté physique, mais Michel-Ange, sauf dans quelques exceptions, comme sa peinture d'Adam sur le plafond de la chapelle Sixtine, et ses sculptures de la Pietà, ne prêtait que peu d'attention à la beauté. Bien que maîtrisant parfaitement l'anatomie et les lois de la composition, il osait les ignorer toutes deux, si nécessaire, afin de suivre son idée : exagérer les muscles de ses personnages, et même les placer dans des positions inappropriées au corps humain. Dans son ultime fresque, celle du Jugement dernier sur le mur de l'autel de la chapelle, il laissa se déverser le torrent de son âme. Qu'étaient les règles en comparaison d'une souffrance intérieure qui devait s'épancher ? C'est à juste titre que les Italiens de son temps parlaient de la terribilità de son style. Michel-Ange fut le premier à donner à la forme humaine la possibilité d'exprimer toute une variété d'émotions psychiques. Dans ses mains, elle devint un instrument duquel il jouait, comme un musicien sur son orgue, en tirant des thèmes et des harmonies d'une diversité infinie. Ses personnages transportent notre imagination bien au-delà de la signification personnelle des noms qui leur sont attachés.

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  Velázquez

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  Diego Velázquez (Séville, 1599 – Madrid, 1660)
  Diego Velázquez était un artiste anticonformiste de l'ère baroque. A l'âge de vingt-quatre ans, Velázquez fit son premier voyage à Madrid avec son professeur, Francisco Pacheco, rencontré à Séville.
  Rapidement, il se qualifia comme maître peintre. Le roi Philippe IV remarqua son génie et le nomma peintre de cour en 1627. Peu après, l'artiste se lia d'amitié avec Rubens à Madrid. Il développa une approche plus réaliste de l'art religieux, où les personnages sont représentés de façon naturaliste et non pas idéalisée. Son usage du clair-obscur rappelle les oeuvres du Caravage. Il fit au moins deux voyages à Rome pour acheter de l'art Renaissance et néo-classique pour le roi. A Rome, il adhéra à l'Académie de Saint-Luc en 1650, et fut élu chevalier de l'ordre de Santiago en 1658. Son imposante oeuvre de commande, La Reddition de Breda (vers 1634), montrait la défaite des Hollandais devant les Espagnols, et célébrait le triomphe militaire du règne de Philippe. L'artiste peignit le Pape Innocent X (1650) au cours de son second séjour à Rome, rappelant des oeuvres similaires de Raphaël et de Titien. Ses dernières oeuvres étaient plus spontanées, mais toujours disciplinées. Le point culminant de sa carrière fut le chef-d'oeuvre intitulé Les Ménines (1656), l'un des plus complexes portraits de groupe de l'histoire.
  Velázquez est reconnu comme le plus grand peintre espagnol de son siècle. Il influença des peintres majeurs comme Goya et Manet.

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  1000 Chefs-d'œuvre de la peinture

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  1000 Chefs-d’oeuvre de la peinture réunit les oeuvres incontournables de l’art occidental à voir au moins une fois dans sa vie. À travers ces trésors culturels, c’est toute l’histoire de l’art qui se dessine au fil des pages. Unanimement reconnues, ces peintures sont accompagnées de légendes détaillées et replacées dans leur contexte historique. De nombreux commentaires et biographies complètent ce passionnant ouvrage, guide absolu de l’amateur d’art. Référence artistique, culturelle et éducative, ce livre vous invite à la visite des grands musées qui abritent ces chefs-d’oeuvre.

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  L'impressionnisme

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  L'impressionnisme (Manet, Pissaro, Monet, Renoir etc.) a d'abord été synonyme de scandale même s'il est aujourd'hui universellement admiré. Ses instigateurs sont d'emblée tenus à l'écart du salon officiel, le jury rejetant à la fois une facture non académique et une trop grande modernité des sujets. Indépendants, les impressionnistes révolutionnent les règles traditionnelles de la peinture. Ils s'intéressent aux phénomènes éphémères et aux transformations du paysage. Pour restituer leurs sensations, ces artistes inventent une nouvelle manière de peindre : ils juxtaposent des touches de couleurs, que l'œil recompose à distance. Ils font de la lumière l'élément essentiel de leur peinture et se concentrent sur le mouvement de personnages saisis sur le vif. Désireux de transcrire de façon aussi réaliste que possible leurs impressions sur la toile, ils quittent l'atelier pour peindre directement leur sujet, écartant ainsi toute procédure de recomposition
  L'exposition de 1886 marque la fin officielle de l'impressionnisme en tant que mouvement constitué, ce qui n'empêche pas des œuvres postérieures d'être formellement très proches. Après cette date, chaque artiste poursuit sa voie, laissant derrière lui le souvenir d'expositions comptant parmi les évènements les plus importants de l'histoire de l'art du XIXe siècle.

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  Van Dyck et œuvres d'art

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  À partir de la création de son premier atelier à l’âge de seize ans, sir Anthony van Dyck (1599-1641) devint célèbre dans le monde de l’art. Rubens, son professeur lorsqu’il était enfant, disait de lui qu’il était son élève le plus talentueux. Il confirma cette remarque par une carrière d’artiste de cour en Angleterre et en Espagne. De nos jours, il est reconnu comme peintre de portraits, capturant l’élégance et la beauté opulente de la vie des cours européennes au XVIIe siècle. Dans cette présentation fascinante de la longue carrière de Van Dyck, Natalia Gritsai met en relief le meilleur des chefs-d’œuvre de l’artiste.

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