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  Le Surréalisme

  Nathalia Brodskaïa

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  Le mouvement Dada et ensuite les surréalistes sont apparus dans la foulée de la Première Guerre mondiale dans une explosion d’idées : la révolution de la pensée, la créativité et le désir de rompre avec le passé et tout ce qui restait du passe. Ce refus de s'intégrer dans la société bourgeoise amène Georg Grosz à faire remarquer à Dada que « c'est la fin des ismes ». Breton affirme que Dada ne produit pas de perspective, « une machine qui fonctionne à plein régime, mais où reste-t-il à voir? Il peut se nourrir lui-même ». Le surréalisme a émergé au milieu d'un tel sentiment. Ces artistes ont souvent changé d'un mouvement à l'autre. Ils étaient unis par leur intellectualisme supérieur et le but commun de rompre avec la norme. Décrivant Dada avec ses libres penseurs dynamiques, et les surréalistes avec leur résistance contre le système, l'auteur apporte une nouvelle approche qui s'efforce d'être relative et véridique. Provocation et révolution culturelle: Dada et les surréalistes ne sont-ils pas avant tout un produit direct de l'individualisme créatif dans cette période troublée?

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  Le Mouvement Arts & Crafts

  Oscar Lovell Triggs

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  « N’ayez rien dans vos maisons que vous ne considérez pas utile ou croyez être beau. »
  Cette citation de William Morris pourrait résumer à elle seule les Arts & Crafts, mouvement unique qui, en Angleterre, provoqua une véritable réforme des arts appliqués. Fondés par John Ruskin, puis véritablement mis en œuvre par William Morris, les Arts & Crafts véhiculèrent des idées révolutionnaires dans l’Angleterre victorienne. Au milieu de l’ère industrielle « sans âme » qui standardisait les objets, les Arts & Crafts proposèrent de remettre l’esthétique au sein de la production. L’artisanat et le design devinrent ainsi le cœur de cette idéologie nouvelle. Influençant de nombreux domaines à travers le monde, les tendances Arts & Crafts se traduisirent essentiellement dans le design, l’architecture ou la peinture.

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  American Graffiti

  Margo Thompson

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  Depuis le début des années 1970, les graffeurs décorent l’extérieur des rames de métro avec des tags toujours plus grands et toujours plus élaborés.
  Dans le schéma primitiviste, les graffeurs, en tant qu’artistes en marge, offraient de nouvelles perspectives à la société américaine. Ils tendaient un miroir à la culture hégémonique.
  Les références aux médias ou à des elements culturels que les artistes intégraient dans leurs créations revêtent aujourd’hui une importance toute particulière, parce qu’elles représentent un point de contact entre les cultures et ont rendu cette « sousculture » plus accessible à son nouveau public.
  Cette forme d’expression résolument rebelle est ici analysée par Margo Thompson qui met en relation l’art du graffiti avec l’art contemporain. Tout comme les graffeurs apportaient une voix à une classe ethnique sous-représentée, l’auteur, grâce à une thèse originale, tend à servir d’ambassadrice à cette forme d’art souvent méconnue.

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  Matisse

  Nathalia Brodskaya

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  Henri Matisse (Le Cateau-Cambrésis, 1869 – Nice, 1954) «Le fauvisme, c’est quand il y a du rouge », avait dit un jour Henri Matisse, exprimant ainsi brièvement sa compréhension de ce courant. Durant tout le XXe siècle, les contemporains du peintre et les chercheurs se sont tellement appliqués à lui attribuer le titre de chef de file du mouvement, que très souvent son art se trouva transformé en modèle où l’on devait puiser le plus exactement possible les traits les plus caractéristiques du fauvisme. Cependant, Matisse lui-même non seulement n’a jamais prétendu à ce rôle de chef de groupe, mais ne put jamais répondre à la question de ce que le courant représentait en réalité. En 1891, Matisse entra à l’académie Julian, gagnant simultanément sa vie en donnant des leçons de droit. En 1892, il abandonna les cours d’Adolphe William Bouguereau à l’Académie pour s’inscrire aux Beaux-Arts dans l’atelier de Gustave Moreau. C’est aux Beaux-Arts qu’il fit la connaissance de Marquet et le persuada de suivre son exemple et de venir le rejoindre chez Moreau. Peu à peu, une communauté de peintres se forma, communauté qui surmonta toutes les épreuves de la vie. Y prenaient part tout d’abord les trois «M » : Matisse, Marquet et Manguin, puis Rouault, Camoin et Valtat ; et enfin Friesz, qui fréquentait l’atelier de Léon Bonnat (séparé de celui de Moreau par un couloir), auquel Dufy vint se joindre plus tard. A partir de 1901, Matisse et ses amis figurèrent comme exposants au Salon des Indépendants ainsi que chez Berthe Weill. En 1903, ils participèrent à la création du Salon d’automne. En 1905, un seul regard de Vauxcelles, que celui-ci jeta sur leurs oeuvres exposées au Salon d’automne, suffit pour qu’apparaisse le terme de «fauves ». Le scandale du Salon d’automne de 1905 rendit Matisse célèbre. En 1917-1918, il fréquenta beaucoup Renoir, installé sur la Côte d’Azur, qui resta toujours pour lui un maître incontestable. La peinture de Matisse datant des années 1897-1901 révèle déjà l’assimilation des traditions de ses prédécesseurs, depuis les impressionnistes jusqu’à Cézanne, c’est-à-dire de tout ce qui devait être appris et compris en dehors des murs de l’école. Cette assimilation a commencé soit peu avant la mort de Gustave Moreau, soit tout de suite après que Matisse ait abandonné son atelier. Après avoir visité les deux expositions d’art musulman organisées à Paris en 1903 et à Munich en 1910, il trouva de quoi s’y inspirer. La première de ces deux expositions ainsi que les voyages que Matisse effectua en Afrique du Nord, apportèrent dans sa peinture des objets orientaux concrets plutôt que des innovations picturales. Le caractère décoratif de ces objets contribuait à rendre l’espace de ses tableaux plus plat et laconique. Toute une vie sépare ces dernières oeuvres de la jeunesse «fauve » de Matisse. Mais malgré tout, elles restent fidèles au fauvisme qui marqua ainsi toute la création du peintre et que lui-même a si bien défini comme le «courage de retrouver la pureté des moyens. »

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  Sex in the Cities Vol 3 (Paris)

  Hans-Jürgen Döpp

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  Riche de six siècles de galanterie, capitale mondiale de la mode et de l’amour, Paris est le symbole de l’érotisme et d’une sexualité joyeuse. Offenbach, dans La Vie parisienne, avait déjà créé un hymne à la joie des sens.
  
  L’auteur, avec liberté, adopte la démarche d’André Malraux, en construisant un musée
  imaginaire, dans ce Paris intemporel, où le temps est révolu, l’espace infini et le désir toujours présent.
  
  L’iconographie est exceptionnelle, elle provient de collections privées, jamais publiées, et couvre cinq siècles de l’histoire coquine de Paris, accompagnée d’un texte universitaire qui permet au lecteur de pénétrer dans un monde jamais vulgaire, toujours subtil, celui sans fin depuis que le premier homme regarda la première femme : l’érotisme.

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  Le Réalisme américain

  Gerry Souter

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  La richesse du réalisme américain est de n’être ni un mouvement, ni une école, mais plutôt de répondre à toute une nuance d’interprétations, sans règle ni loi préétablies. Le lieu, l’objet ou la personne que l’artiste représente peut, en effet, le rattacher à une certaine catégorie bien définie, le peintre devenant, dès lors, régionaliste, portraitiste, peintre de genre ou même « portraitiste régionaliste » s’il représente des natifs du Grand Ouest américain.
  Dans toute cette diversité, il est une multitude de nuances et de subtilités qui font que le concept du « réalisme américain » reste au carrefour de tous ces styles. Ce qui demeure, ce n’est pas tant un mouvement mais des artistes, uniques, dont la différence consiste à façonner la richesse de la scène artistique américaine. Le résultat de leurs efforts, de leurs quêtes ne serait-il pas, au demeurant, issu du prisme de leur individualité, de leurs influences, de leur culture et de leur éducation ? Si aucun lien précis n’unit, en apparence, les larges aquarelles de Winslow Homer, les détails obsédants d’Andrew Wyeth et la lumière mélancolique et glacée d’Edward Hopper des années 1950- 1960, ils reflètent tous ce qu’est en réalité cette tradition américaine à laquelle chacun d’entre eux appartient.
  Kaléidoscope de ces cent dernières années, cet ouvrage analyse l’évolution des premiers peintres influencés par la Vieille Europe jusqu’à l’effervescence des grands artistes contemporains, et témoigne de son incroyable influence sur l’art américain de ces dernières années.

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